占个坑今天明天空了答
这是个好问题
6月12
6月13凌晨。
原本昨天想回答的，但是又忘记了。
（先声明，由于是13号睡着了忽然惊醒，给手机充电等待的时候回答这个问题，所以有可能话语的逻辑有点混乱，请大概理解意思，理解不了也没事划走下一个就完了）
我之所以认为这个问题很有意思是因为有很多时候雀氏面临着“编不下去”或者“不知道怎么编”的问题。这两个问题我个人认为一般来讲可能是两种人可能会遇到：小白不知道怎么编，以及老手不知道如何跳出条条框框进行“创新”。
我觉得可以从以下几点进行讨论【编曲的发展】：
结构以及和声变化（情绪）配器和音色的发展和变化（音色）动态的对比（留白和填充）1. 结构以及和声的变化/发展
首先先抛开一切不谈，回到在编曲最开始的时候，要做的事情其实就几个，一个是按照参考歌曲定这首歌整体的风格，情绪，甚至是主要的动机。
可以说从这个时候就已经开始要考虑“歌曲的发展”以及以何种方式给歌曲留下发展空间了。
比如从我的角度来讲，咱就说流行抒情情歌。一般来讲结构上的设计
A1(主歌）-A2（主歌2或bridge）-B（副歌）-B2- A1'-A2'-B'-B2'-C（插段）-B''-B2''
像这个就是相对而言比较“现场“的一种歌曲段落设计。别的风格基本上也都是在这个基础上进行改动，比如最后没有C插段和后面两个B，可能改成只是B的伴奏重复；或者在第一次B1，B2结束后接一个4小节到16小节的间奏，然后直接就重复A2，跳过A1。
结构的设计就是”打地基“，你如何设计会直接影响后面的和声编写，配器，以及最终的动态（音响效果）————想象一下，你在A1（歌曲刚开始）的时候只用了一个钢琴或者吉他，然后终于发展到B1了，你把所有的乐器都加进去了，用尽了毕生所学，但是由于结构设计的问题，你的结构可能是这样的：
A1-A2-B-B2-B3-B4-B5
这是一个朵玛离谱的设计，一般人都写不出来，结果导致的问题很有可能就是你让 B（副歌） 的和声连续重复了五遍，并且同样满满的配器。
！！！当然不是说这个结构不可以
毕竟是自由的音乐世界，想咋写都可以。如果真的想要写得好确实是需要一些技巧的。
先更到这，睡觉了，有问题留言，我一般不看私信。。。
看看今晚有没有可能更新一下
今天把期末论文写一下，看看今晚写完或者明天更一下
ok终于睡醒了，起来更一下。
先说明，每个人的写作习惯都不一样，没有绝对，比如有的人喜欢在一切开始之前就全规划好，包括什么地方用什么音色组合，什么地方大概怎么编。我个人的习惯是先写个大概，也就是基础的和声，结构写出来以后，对什么地方用什么音色有个大概的设计，但是具体的音色我可能会根据听感到那个地方再看缺什么。
2. 音色、律动的发展和变化。
有的时候我们会觉得有一些歌不管怎么样就是副歌不太好听，情绪就是起不来，不管怎么样都中规中矩；相应的，有的歌，尤其是现场的一些歌，虽然套路化，但是不可否认的是现场的这些编曲都能调起情绪。
那到底是什么东西引起了人情绪的变化？
对比
音色的对比，和律动的对比。
什么叫给音色和律动留发展空间？换种方法问：怎么才能突出副歌？
很简单，副歌快，只要主歌慢就能突出；副歌起情绪，只要主歌情绪压着走就能突出副歌。
这就叫留发展空间。
编曲无非干的就是一件事，不断地变化，避免引起听觉疲劳。
你通篇只用四大件编曲，如果是摇滚现场还好，现场可以靠快节奏，音量和现场的氛围弥补音色少的问题；但是如果你是一个本身就很慢的抒情歌，而且还是制作出来放到耳机里听的，就不得不在音色和律动上进行设计。
如何起情绪？主歌只用钢琴，第一次副歌不进鼓，bass这些东西，就加一个大提琴两个小提，然后做一个小小的高潮，B段结束之后接一个四小节-8小节的间奏，进鼓击边+bass+吉他+钢琴走A2’，进B2的时候可以把所有乐器都加上，这个时候起了还没全起，不然的话后面的大副歌就起不来情绪了。所以这个时候进C段对比段，就是为了和副歌段形成律动和音色上的对比。在进行短暂的对比之后，迎来一个小弱起，这个时候乐器一件一件的进，大概四小节，来一个所有乐器一起进入，到了最终的大高潮。
上面说的可能复杂了一点，但是基本上一般的现场（我是歌手，蒙面歌王，好声音之类的选秀节目）用的都是这种套路。 配合上歌手撕心裂肺的歌声，很轻易地 就能带动听者的情绪。
总结一下，给音色留发展空间就是别总是那几个乐器，不同的段落用不同的乐器。乐器的使用也应该是递进的状态，单个乐器演奏的时候，突出的是乐器演奏法的细腻：力度的强弱，技法的使用，音区的扩张。这些东西都是音色的细节，只有在乐器少的时候才能听到的。等到起情绪的副歌的时候，其实啥也听不清，听的就是个大概的音色，加上副旋。真正起情绪的时候就是吉他使劲扫，钢琴使劲砸，弦乐可劲拉，人往死了唱就完了。
先更到这
