由托纳多雷执导的《海上钢琴师》以蔚蓝色的基调，萦绕着淡淡的忧伤，讲述了钢琴师1900于方寸甲板之上用毕生奏响坚守之乐。
本片优质的画面、声音和独到的人物塑造在彰显艺术特色的同时，也展现了人物灵魂深处对绝对自由的坚守。
影片从一个被遗弃的婴儿到一步一步成长为一名伟大的钢琴演奏家，展现了人们对美好生活的渴求，以及对艺术的执着追求。
电影中的音乐表演，让人回味无穷，无论是1900与爵士之父杰瑞莫的激烈对决，亦或是他为自己喜欢的姑娘弹奏的《Playing Love》，都让人有种身临其境的感觉音乐与情感的融合，让1900的人生绽放光芒。
画面作为最真实的表意元素，影片通过画面处理传达音乐于1900自身的光辉。
乐器店内当其友麦克斯奏响小号时，将其置于前景且大比例放大面积表明音乐的光辉，使其沉浸其中为突出音乐的魅力，故一改对店主和麦克斯等的面积的画面而刻意突出麦克斯。
在处理1900时，导演的主观思维仍然在画面上有所体现。
1900奏响琴曲时画面采用叠画处理，将弹琴的神态同点点波涛的海面合至一张画面，不仅带给观众心理上的宁静，而且暗示1900的音乐来源于大海。
他所弹奏的钢琴曲是献给大海最好的情书，为了灵魂深处的自由，他注定与大海永生相伴、永生相随。
画面萦绕着淡蓝色的色调契合海洋的大背景，同时又是1900内心的写照不羁于世俗，聆听海浪求心静，音乐相随愿自由。
音乐对于1900来说，始终都是光辉熠熠，在影片画面叙事性与表意性相结合，奉献一场视觉盛宴。
我们以影片中的“斗琴”片段去分析导演对画面的把控是多么的完美。我们可以通过这个画面去感受导演是怎么吸引观众的视听感触，凸显影片的主题。
在小小的音乐厅，他们进行了激烈的对抗。
我们可以发现，与整部影片的影调不同的是这一段的色调偏向于暖黄调的铜黄色等，用来表达古老、历史的东西，体现了那个时代的建筑、装饰等风格。
灯光使用的是柔和的光线，这样既可以突出人物的轮廓，又可以模仿自然光。
而黄色的光线则会让观众产生一种心理上的紧张感，从而把观众带到“斗琴”的紧张氛围中，影响到观众的情绪，从而引起他们的注意。
这种低调的光线，更能体现出主角淳朴、朴实的性格，整个画面都是以黄色为主，显得非常有张力，也非常具有感染力。
通过高难度观众熟知的高难度乐曲，用来展示1900的高超技巧，一首名为《大黄蜂的飞行》的乐曲。
这首乐曲完全是用黑色的琴键，每一个音符都是一半，这是一首非常有技术含量的乐曲，节奏很快，带着一丝杂乱，偶尔还能听到莫顿因为太过惊讶而酒杯摔在地上的声音。
最后，则是一段长达三十秒的沉默，以此来表达听众们的震惊与崇拜。
这些乐曲配合着音效和静音，达到了一种震撼的效果，一种对1900技巧的完美诠释。
在影片中经常会有小幅度的旋转画面，去带动观众的观看视野，丰富画面。
1900的面部、双手、琴键、琴线都有轻微的抖动，而莫顿的面部则是被一支烟从钢琴上推出来的，显示了莫顿的惊愕与愤怒。
画面一转，给了指挥者一个特写，让他感受到了内心的震撼。对主动性镜头的使用，无论是高度还是角度，都是非常好的。
作为音乐电影的典范，其中的声音因素与画面结合浑然天成。
音乐的出现对1900来说似为天意，在图尼的葬礼上，来自天际的钢琴乐伴随着海浪翻涌徐徐而来，舒缓了影片此刻肃穆的气氛。
在斗琴之前爵士歌王高大的身影倒映在舞池玻璃板上，伴随着低沉而近乎阴森的音乐，恍若鬼神之际，神秘且恐怖。
随着他的正式亮相，沉重的音乐响起，空旷的脚步声渐入，整个过程中只有玻璃碎落的声音打破阴森，暗示爵士歌王不好意思挑战极尽丑态，直至空酒杯倒扣吧台结束富有戏剧张力的音乐。
随之而来的是1900弹奏《野蜂飞舞》极富节奏感的钢琴乐曲，象征着人物内心的狂热，只有音乐才能使1900寻求宣泄口。
在结尾处1900取得了巨大胜利之刻，导演避免使用热烈的掌声和欢呼声，而是采用消声处理，只保留了观众的动作神态。
在营造静态的同时凸显1900音乐的震撼力，于其自身来说，音乐不仅仅是艺术样式，而是能够触摸到生命的真实体验。
音乐是一部电影的不可或缺的一部分，要想制作出一部好的影视作品，就必须要有好的影视音乐。是音乐让影片更加的生动、完善。
同时也让影片的主题得到了凸显和升华，让剧情变得更加丰富。
电影里，只要有1900出现的地方，就一定会有音乐，就像1900自己说的那样，没有音乐就没有生命。
《海上钢琴师》是一部音乐剧，它用不同的曲调，展示了主角随心所欲的性格，增加了电影的观赏性和艺术美感，营造了一个波澜壮阔却又温暖感人的感情世界，让观众们感受到了一种不一样的人生。
电影里到处都能听到的爵士乐，尤其是《爱的旋律》，温柔、细腻、真挚、感人，让人听的无法忘怀，这也正是音乐的魅力。
影片对钢琴乐曲与爵士乐曲的设置别有深意。
钢琴象征着欧洲高贵古老的文化艺术，而爵士乐象征着美国新时代下的工业文明。两者新旧文化的剧烈碰撞给音乐艺术带来了很大的突破，也给1900的内心带来了很大的冲撞。
1900的坚守美丽而悲怆，无拘无束的音乐和船是他的精神家园，他还是选择了自己最本初的归宿，永远的留在了船上。
影片通过对1900的人物塑造串联三幕式结构。
在遇见莫斯科女乘客之前，所赋予1900的音乐天赋使其成为近乎神的存在。
而两人一见钟情，再见倾心，1900受到了爱的感化，人性逐渐显现。在最后他仍然选择追求艺术的自由，聆听大海的节奏，继续神一般的创作。
值得一说的是，在1900的成长经历中，船长从一开始想要将1900带到一家孤儿院，到后来被1900的音乐天赋所感动，再到后来1900第一次试着下了船，都有些恋恋不舍。
这种态度的转变，从某种意义上来说，也是一种保护，一种关心，一种保护，一种让1900可以永远留在船上的客观条件。
从某种意义上来说，他已经超越了船上的阶层，以他的音乐，以他对这个世界的热爱，打破了所有人的代沟，让所有人都喜欢他，都喜欢他。
水手们喜爱他，岸上的人们也急切地想要上船一睹他的风采。丹尼虽然出身低微，但在音乐方面，他还是很有天赋的。
他把1900抱在怀里，和一群矿工一起在船上唱歌，在空闲的时候陪着1900看书。
他不能给予1900高档奢侈的生活，但他可以给予工人、厨师、医生、护士们最真挚的关怀与关怀。正是这股力量，让1900一直在成长，让他沉浸在音乐和船上的生活中，不想离开。
从更大的意义上来说，他已经超越了世俗的概念，超越了生死，超越了爱恨，超越了得与失。
他将自己的人生，融入到了大海的音乐之中，这并不需要什么正式的证明，也不需要什么资格，因为，他的音乐，就是他的答案。
在电影的结尾，麦克斯泪流满面地催促他离开游轮，他向麦克斯倾诉了自己的心声，似乎是在诉说着自己的心声。
麦克斯的哭声越来越大，他的话也越来越多，到了最后，他终于说出了他永远也不会离开这艘船上的话。
那时候麦克斯心中也觉得自己再也没办法唤回1900了，他与这艘船永远的共生了。
看到陆地上的城市时，1900再一次害怕了。
“城市那么大，看不到尽头。在哪里 ? 我能看到吗 ? 陆地，太大了，他像一艘大船，一个女人，一条长长的航线，反正，这个世界现在也没有人知道我。我之所以走到一半停下来，不是因为我所能见，而是我所不能见。”
这部电影朴素而忧伤，震撼人心，凄美而孤寂。
一个从小就被抛弃，在巨大的维吉利亚飞船上成长起来的小孩，却成了一位天才钢琴家，他的乐曲就像是一片无边无际的海洋，无穷无尽的生命在他的琴声中流淌。
但他的乐声却是如此的高深莫测，哪怕是在战争中，哪怕是无人起舞，哪怕是炸弹从天而降，他也依然在演奏。
是看到了无穷无尽的天地？是因为无法看到天边吗？他仿佛看穿了生命的真谛，宁可死去，也不愿意离开这艘游轮，最终，他带着自己的歌声，沉入了海底。
影片中采用了特写镜头处理乘客看到美国自由神像时的兴奋，与1900面对美国高楼耸立时的畏惧形成了鲜明的对比。
在呈现视听盛宴的同时，现代工业文明是人心中孤独的一道伤痕，而1900则是一个时代悲凉坚守的精神符号，他在自己蔚蓝色的乌托邦中肆意奔跑在、追逐，伴随海浪，追求心中绝对的自由。
而他所谓的自由，并不像大众所定义的自由，他只希望自己能够永远的传承传统钢琴乐，在这艘船上生活下去。
只可惜，时代在不断的前进，船终将会靠岸，爵士乐也会慢慢流行，最后皆是曲终人散，但1900却永远也走不出自己的困境了。
