谢邀！第一次接到邀请很兴奋，洋洋洒洒写了好多，正好毕业要交的乐队作品刚开了头，也许等写完之后再回来看看，又有新的感受: )
交响曲可以说是西方古典音乐形式发展的顶峰，对创作者对于结构的把握力有相当高的要求。我们的配器老师曾经说过，对今天的作曲家来说，能不能写管弦乐队作品，是决定他/她能否继续职业道路的一个非常重要的标志。所以题主的感受是相当准确的…就是，很难！
那么写作之前，肯定就得作相当的准备，来介绍一下作曲系针对乐队写作的四门基本训练课程，俗称四大件儿。包括曲式，和声，复调和配器。基本上乐队写作的技术都在里面了。如果把一首交响曲比喻成一座建筑物的话，曲式就是她的形状和结构，和声就是你三百六十度观察她时候她的光与影的变化，复调是她的线条，配器是她的材质。
嗯，然后题主问的是，咋写的？…真不知道咋把这些放在一起，难道一个音一个音想？哈哈，这是把音符当成一个个汉字了。我想音乐和语言最大的区别，就在于语言只能是单声部，因为它要传达一个准确的意思，而音乐则可以运用多声部，它并不在意模糊，它能直接表达情绪！而情绪恰恰是语言最难直接表达的。这也是为何音乐能打动人心的原因吧……
好，这就引出了创作者在创作时的实际状态----其实不管是乐队作品也好，独奏作品或者歌曲也好，某个音符都不具有意义，不管是密密麻麻或空空荡荡的谱面，具体的每个音符都是为了某一种形象，感觉，氛围而服务的，它们在创作者手里，是用来绘制脑海中那些声音的媒介，它们只有以某种形态组合在一起，才有存在的意义。
所以需要高度的集中，去捕捉一闪而过的那些音响，有时是很具体的一个和声，有时可能只是一个非常模糊不清的方向…通常一开始的构思阶段基本就像这样子去抓感觉，真的是抓！我感觉自己好像伸出了无数的触角……这个阶段决定了这首曲儿的大致基调。
接下来就是考虑具体乐队分配的问题，就好像上面说的，确定这个建筑设计的材质。它对曲子的最终效果影响最大。
然后，对于非大师的我们…就是继续修改~有一些部分是真的不需要动一个音符……真的，它就以它最贴切的形象出现在那个位置！啊…写到这种部分，真的爽的无与伦比。
嗯，这种情况并不是总有的，毕竟偶们不是莫扎特那种写东西不费劲的天才。所以持续的进入写作状态，是必须的基本功。若能一直坚持下去，定是因为…听到自己的曲子在音乐厅里响起，即使再郁闷纠结辛苦，也觉得值得。
最后是广告时间~~
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