沃尔夫阿玛迪乌斯莫扎特, mozhate A Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791)奥地利作曲家,维也纳古典乐派代表人物。莫扎特出生在一位宫廷乐师的家庭。3岁起显露音乐才能,4岁跟父亲学习钢琴,5岁作曲,6岁又随父亲学小提琴,8岁创作了一批奏鸣曲和交响曲，11岁写了第1部歌剧。他仅仅活了35岁。繁重的创作、演出和贫困的生活损害了他的健康,使他过早地离开了人世,他的音乐作品成为世界音乐宝库的珍贵遗产。
第一节 算扎特钢琴奏鸣曲的演奏风格
莫扎特的钢琴奏鸣曲属于古典派的奏鸣曲,在其室内乐作品中占有重要地位。莫扎特钢琴奏鸣曲是意大利歌剧风格渗入音乐的各个领域后结出的非凡成果,也是音乐史上最令人注目的发展之一。莫扎特以他无比自然、流畅、直率的天性,显示着优雅怡美和柔和细腻的精神风貌。他的钢琴奏鸣曲主题大都深切地寄托着作者对个人生活经历的感受,具有很强的内向性质和幻想的精神,是轻松愉快的性格和善良纯洁心地的写照,是钢琴艺术史上不朽的精品。
一、风格把握
莫扎特早期的器乐创作风格在技巧的运用上也比海顿等前辈的作品更趋于成熟。他力求掌握听众的心理,始终注意到对听众的影响力。在他的钢琴奏鸣曲中,主题形象生动,富于歌唱性的旋律,多半是生活风俗性的,快板乐章极其明亮、灵巧、典雅,表现出阳光般的明朗和乐观的情操。
从音乐史上看,处于一定历史时期的作曲家,其创作风格必然要受到该时代的思想动态、文化倾向、社会风尚的影响,并在其作品中显露出历史的个性。维也纳古典主义时期正是钢琴艺术发展的极其重要的阶段,风格必然渗透着不同的个性和特点,从而构成钢琴演奏的实质内容。我们可以发现,古典主义时期的作品可能较为直率地表现作曲家内心的情感,但仍然是有所控制的,音乐的韵味深蕴于风格之中。莫扎特的音乐是纯正的、是真挚的、直率的,是洒脱自如的;他的音乐很容易显现出高洁、清淡的气质和"性格刻画"的能力。而音乐又保持着自身的内在逻辑------倾注于美好的理想,诉诸心灵的渴望,那样的怡静,优美、甘甜,这是一种风格,一种“纯音乐”的变革。这种风格逐渐替代块状性静态的巴洛克风格,成为可感的、新的维也纳古典风格。
风格是作曲家的性情、气质、思想、感情和时代思潮、风气的混合产品;是同时代人的一致理解和评价的产物;是演奏家所呈现音乐美的唯一正确反映。莫扎特在18世纪70年代紧紧追随海顿,创造了区别于巴洛克风格的音乐,在钢琴奏鸣曲着眼大众化与通俗化,基本上是一种比较稳定的风格模式,主要表现如下:
1.在自然状态中构成音乐。他的内心世界十分丰富,音乐出神入化,乐思敏捷,人文主义的音乐内容取代了宗教性的内容。对信仰、正义、道德的颂扬,对“人”的尊严主题有很深的内心体验,善于表现人性的深刻。
2.作品极富旋律性,形式结构很清晰严谨,织体细致,音乐语言很平易近人,所包含的思想感情比较深广,富于诗意。
3.主调音乐代替复调音乐,以“旋律与和声背景“为主体的主调音乐占据主要地位。在主调音乐中有着极其广泛的复调展开模仿性因素。
4.由“I-IV-V-I”建立起来的功能和声及其调性关系体系成为音乐结构的骨架,大胆采用了调内离调和转调的手法,和声语言富于动力,烘托出旋律形象的表现力和美感,丰富了调式并发挥了多种表现力。
5.奏鸣曲式代替了古组曲、二部性古奏鸣曲、托卡他等曲式。变奏曲的形式和技巧被广泛运用,为古典的装饰变奏形式引申。主题的构成在技术上富于动机的展开,容易在发展部自由地发挥。
莫扎特以极其热爱音乐的职业态度,创作了标新立异,智慧与自然紧密结合的钢琴奏鸣曲,这使他悠然自得的神情、气质,贯穿在轻盈柔美的旋律中,溶解在崇高的音符中。他的稳固结实的精巧独创性,给人以一种在表情上更富于变化的魅力。在他身上,灵感不是经过苦思冥想而来,不是经过智力和意志同大自然的斗争后才在头脑中显现的,不是在过分的激情和狂热的状态中表示出来的,正相反,他似乎处于通常的环境下,平衡的状态中,酷似宁静的泉水涓涓不绝,无穷无尽。莫扎特的天才正是懂得吸收音乐艺术中的一切精华而弃其糟粕,以那颗敏感而善良的心不断地求索和探寻,并善于综合各地不同风格于一体,形成他独特的表现生活真情实感的风格。
二、写作年代
1.K.279-K.284的6首,可称为“故乡奏鸣曲"。大多是莫扎特1774年夏秋作于他的故乡萨尔茨堡。这时的莫扎特还不满20岁。这6首非常新颖,并充满着乐观的朝气,但整个看来,作品尚未成熟,缺乏思想感情的深度,不少地方还显示出受其父和海顿以及意大利作曲家的影响。
2.K.309,K.311的两首(曼海姆奏鸣曲)。1777年11月作于曼海姆。这时,莫扎特正踏上他的广阔旅程,生活视野进一步扩大,音乐表现欲望日愈强烈,对生活的体验也逐渐深化,艺术表现手法上也趋于精炼和成熟,所流露出的音乐十分有活力。
3.K.310,K.330_K.333的5首(巴黎奏鸣曲),全部在1778年夏完成。这时,莫扎特更倾心于长呼吸的歌唱性旋律,作品的主题比较流畅、动人,音调或热情,或悲切、或平稳柔美,但总的音乐基调是明朗的、向上的,充满着渴求与期望。
4.K.475c小调幻想曲(完成于1785年)与K.467c小调奏鸣曲(完成于1784年10月)，这两首既能各自独立,又能联在一起,标志着作者风格的演变。在此期间,作者的思想更趋成熟,音乐上表现了深沉的幻想性和满怀期望的激情和悲愤,较好地发挥了钢琴各音区的性能。
5.K.533,533/K.494,K545,K.547a,K.570,K.576的5首晚期奏鸣曲，均是1788年-1789年作于维也纳。这时期莫扎特有较强烈的情感表现,他运用了复调和主调相结合的艺术手法,以乐观的情绪为基调,充满了坚定、自信和力量的表现。在写作手法和演奏技术上得心应手,具有高度的艺术性。
三、版本选择
选择版本是演奏作品的第一个基础步骤。现代音乐表演艺术的发展,已经把版本问题提到很重要的位置,要求演奏者把它作为正确进行音乐解释,提高音乐表演艺术水平的一个重要问题来看待。
在演奏莫扎特的钢琴奏鸣曲时,应进行精细的学术研究,以严肃的态度对乐谱进行比较、鉴别,找出最接近作者意图的原版本。莫扎特钢琴奏鸣曲的版本比较可靠的是评论版(Critic)和学问版 (Edition);较好的版本为a. (K6chel) b.(Cotta) c. (Litolff) d.(Peters) e. (Bosworth) f. (Universal) g.(Urtext)。
研究版本最重要的目的是分清作曲家指示与编订者指导性注解与增添的记号。莫扎特的音乐相对来说比较简单,但仍需要仔细考究谱上的断秦符号、连音线的呼吸,不能自作主张,违背作者的初衷。要周密详尽地加以研究速度、力度、节奏、奏法、装饰音等等,谱上各项指示必须非常忠实地执行,要从谱上的性质提示(即音乐术语)理解透彻,这样读到的东西越多,内心音乐就越生动,越丰富,越充实,演奏起来也就越规范,越具有学术水准,也越有个性。作者落笔的音符和标记包含了统一演奏的构思设想,而精细却是正确揭示作品意念和充满感情处理的必要条件。各种版本都对莫扎特钢琴奏鸣曲的装饰音作了详尽的注解，一般遵循的基本原则为：
1.长倚音一般具有留音效果,并与主要音符对分时值;
2.回音应包括在主要音符时时值内,装饰音的第一音应当在拍上而不是拍子前;
3.颤音(tr)可以从所标明的主要音符的上方二度开始,可以奏波音或回音;
4.回音有时从拍子开始,有时在拍子后开始,但须注意所有的装饰音应当纳人均匀节奏划分之中。
总之,使用可靠的版本进行演奏,就可以使演奏者的艺术表现建立在可靠的基础之上,使音乐的表现流畅自然。
四、结构分析
莫扎特在钢琴奏鸣曲的历史地位完全取决于对古典奏鸣曲形式的发展和贡献。秦鸣曲式是维也纳古典主义在音乐结构思维方面最杰出的贡献,它彻底地反映了矛盾双方对立统一的思想方法。莫扎特奏鸣曲的结构是严谨的,大部分体现的是抽象结构思维,主题形象比较单一,两个主题之间的对比也不强烈,基本上是建立在“4+4"的乐句结构上。(即四小节为一个乐句),第二、四小节往往是平行乐句。八小节构成一个乐段而产生的单二、单三曲式较多。主部、连接部、副部、结尾篇幅都不太长,整个呈示部一般在(2/4拍100小节)、(4/4拍60-70小节);展开部一般仅在30-50小节,结尾部一般也较小,仅仅是奏鸣曲式的补充。因此,(4.8.16)小节结构是基础。
在演奏莫扎特钢琴秦鸣曲中,必须一音一音、一句一句,一段一段地构架,使每个音都经得起推敲,让每一个颤音、音阶,和声都找到意义。莫扎特的音乐之所以构成为一种艺术,正是由于它有自身的结构规律和表现方式,有它讲究形式的规范的性格体现,我们大致可以从三个方面加以认识:
1.对音乐的动机、主题、乐句、分段直至整体结构有一个把握。要明确动机和主题以及它们的发展和变形,获得对作品的全面理解和整体印象。要非常重视音乐分句法及手指的组合形态,对旋律中的句逗进行认真划分,使其符合18世纪的演奏习惯和音乐风格。
2.认识旋律声部与伴奏声部之间的关系,着重考虑三度叠置的和弦构成的协和概念，懂得怎样去强调一些支声部或是和声上有意义的音,使音乐的倾向性更为丰富
3.对乐谱上的各种记号、术语、指示都予以分析研究,要避免太多的形象性与情节性的构思,使主题健康、典雅。
了解和掌握音乐结构,就必须从基本乐思出发,使每个细节和整体都在严格的控制,而作为一个演奏者,最根本的是揭示作品自身的结构,在理性的分析中感受和体验音乐的效果,全力贯注于自己的思想、精神和感情的力量
五、旋律与节奏
莫扎特钢琴奏鸣曲的旋律演奏的色彩极为丰富,是它音乐的精髓,它的主调旋律最能表达人的情感,常常处于主导地位。为了正确地理解和表现莫扎特音乐的歌唱性,在既忠实于原作又带有自己个性的旋律演奏中,必须掌握以下几个问题:
1.要将旋律线条理清,不断感受到旋律的轮廓,即 旋律进行中的上升、下行、拱形、波状。要让旋律有丰富的说话语气,注重主调音乐的立体感和流畅动感的韵律,要注意旋律不是孤立存在的,它需要衬托、扶持。
2.注意培养调节自己情绪的能力,善于把内心的感觉融进声音里,以内心歌唱带动演奏,用手在钢琴上唱”出完美的旋律。要掌握好歌唱性的多种“唱法”,弹出多样化的旋律。
3.努力发现作品中指法与旋律的各种规律,一般要用较深的触键,保持旋律的流动性、完整性。歌唱性的旋律要用慢而深的触键方法,臂膀、手腕、手掌、手指须协同一致,上下左右活动自如,融会贯通。
4.在弹奏单音的旋律线条时,要体会连贯时大臂的细微动作,在极连贯的旋律时,大臂的调节对于乐句的气息连贯显得尤其重要。当遇到双音或和弦构成的旋律时,一般应着力勾画高声部。
莫扎特钢琴音乐是以严格节拍组成的音乐,而节奏是音乐的时间形式,是音乐必不可少的要素。为了提高演奏水准,获得精确的节奏脉搏和韵律,主要可参照以下原则:
1.提高对节奏的感受力,增加手指的稳定性及指间肌的灵敏度。演奏时要倾听节奏的均匀、弹性、律动及惯性(渐快、渐慢、自由节奏),要不断需要内心的听觉,使自己清晰感到乐曲的流动和变化,因为律动是莫扎特的性格所在。
2.左手应该持用严的节拍弹奏,发挥其推进乐曲的作用。在慢乐章的弹性节拍;大致的使用范围在乐句的高点处、音色的变化处及音量突然变化处。要注意不要有停倾感，要始终贯穿着音乐的感觉。
3.每一小节的第一音可以非常轻微的强调一下,使小节的划分有明显感。体止符要处理准确,不能使人感到音乐的停滞。每个乐句的走向要以节奏来强调骨于音。
4.掌握好有限度的节奏尺寸,千万不要夸张,节奏不宜太快或太慢,应极其含蓄,给人一种自然的感染。掌握好节律感,容易使双手整齐,小指稍加重音也有利于节奏平均。
六、速度与力度
莫扎特钢琴奏鸣曲演奏的速度把握是极其重要的,任意变化速度,均有损于莫扎特的音乐风格。首先必须有把握地知道自己的速度是正确的。莫扎特从未为他的作品标上节拍和速度记号,但演奏他的作品要有个速度的定量:即一个包含四个十六分音符的速度通常每分钟介于120--126之间,一般不超过132,( Allegro快板)。柔板( Adagio)可慢至八分音符等于48--50。倘若一拍有八个音,相当于十六分音符等于100左右。更快或更慢的速度都比较少见。在慢板乐章可以有少量适度的节奏自由性,但要贯穿相同的、稳定的速度,千万不能渐强时快,渐弱时慢。要以极其灵敏的反应能力,保证动作下的速度极为准确。
莫扎特在钢琴奏鸣曲中标明的力度记号多于巴赫但一般只在p与f之间的范围内。从乐谱上看,ff则极少使用。我们从钢琴艺术史上知道,力度表现较能揭示出明与暗、动与静、远与近的关系,而莫扎特的全部键盘作品都是为古钢琴写的,而在现代钢琴上演奏莫扎特作品最大的音量也仅仅相当于"mf”,最轻的音量则应相当于“ppp”。因此,处理作品的力度方法一般可领会几点:
1.力度的对比应以乐句为基础,指触的变化必须符合乐句语态的需要,力度的特征是表现在句与句之间的细致程度上。
2.力度的风格既要鲜明又要恰当,其分寸的限度一般为:pp—最轻弱地触键,带有秘密、神秘的回声性质:p--可爱的,柔软的、安静的,触键需坚定而有表情;mp与mf--介于轻与响之间,像平静地说话语气。
3.重复句可以根据前后乐句的衔接和乐段情绪发展的需要作f、p的力度对比或明暗对比;模进句是加强语气使音乐有伸缩性的有效手法,一般上行模进句多用于情绪上涨的乐段,力度处理多为层层推进的递增;下行模进句多用于情绪转落或收尾时,力度处理多为层层减弱。
4.力度范围必须是手的任何动作坚挺与弹性的结合,支撑与顺应的结合,要做到灵活，轻而不虚，强而不硬。
七、触键
莫扎特所处时期的钢琴发音明亮,颗粒清脆,而在我们现代的钢琴上是很难做到的。莫扎特钢琴奏鸣曲注重声音的灵巧和华丽,将古钢琴和羽管键琴的动作结合,以均匀清晰的音粒,生动活跃的节奏,流畅悠扬的气息,表现出古典主义特有的典雅与高贵的气质。因此,不同的触键法对手的独立感、协调感,乃至应变力及指尖控制是极为重要的。为了准确表达莫扎特音乐的自如感,获得良好的、真正的、纯粹的钢琴音色,触键的原则可遵循以下几点:
1.手腕要有把位感,根据音乐的走向,使手指总是处于五指的位置,任何时候手腕都要在放松的位置上,绝不能有任何生硬之感。尤其要求表情的力量贯穿始终,贯穿在音乐蕴底。
2.当旋律要求连奏时,手指必须十分接近琴键,手指应很有组织、很有控制地下键，手指贴着键盘移动,重心从一个指头自然地无缝隙的交移到另一个指头,使连音演奏达到高层次。
3.音色要明亮而圆滑,就要求手臂用松而不懈的通透力量,使指尖发音敏捷、略有“点”的感觉,控制好自己的肌肉感觉。无论是跳音还是强音,指尖都应有力,让手腕的弹性与灵活性结合好,不需要增添任何外加压力。
4.音阶型的经过句要求干净、流畅、光辉、准确,触健要爽快,多用弹性的手腕和臂膀控制结实的指尖,弹奏有弹性的跳音和圆滑的小连句,句头和句尾的起落动作是作好句子的根本关键。每一组音阶和琶音都充满了虚和实的变化,要有活络的3.4指。低指可以加强手指对键盘的控制能力,加强演奏的准确性。
5.手掌与键盘尽可能保持密切联系,手指与琴键的接触方式比较垂直,手指比较收拢,弯曲成圆拱形,防止手掌摇摆干扰手指的自主运动。指触要非常敏感,动作越小越好,指触以颗粒清楚的 non legato为主,触键的速度也在比较快的范围内,即使稍慢的触键也需要中等的速度。
6.下键时指尖一定要支撑住,挂在键盘上,手指要抓得住音,而不是靠臂的重量压出声音,发声后立即放松,不要用臂力压迫键盘。要注意灵活与离键高度的适当,保持自然放松状态,要控制好发力点、击弦点、发声点的统一。
7.重音永远不要直的下去,要特别注意乐句的呼吸,手腕尽量平稳,可以左右移动,而不要高低起伏太多。弹轻和弦时要注意声音的谐和、统一、不漏音、有和声感,要认真探索触键垂直与水平的细腻对比。
八、音色
优美而富于变化的音色是所有演奏者追求的重要而困难的目标。音色则说明了演奏者千变万化的指触所能获得的永无穷尽的音响魅力。莫扎特的钢琴奏鸣曲十分需要音质美感的演奏,要求音色清脆、明快、透明、纯净,一般可掌握几个要领:
1.要有正确的声音概念,把握住音色造型上的完美,对声音须有敏锐的听觉,使内心有个明确的追求。要经常用听觉的想像力去解释和调整音响层次的各种变化,对键盘的轻重软硬的特性和偏向做到心中有数。
2.要用理性去鉴别每个音是否达到它所应具有的质量,要根据个人的生理条件去追求莫扎特钢琴声音的细腻、均匀。音色变化幅度大,发音才充实饱满,才有共鸣的,圆润的透亮的声音。
3.音质有穿透力及柔美性,就必须对 legato、 Keggiero、pp等加强训练,审视和对比自己的演奏,处理好手指的层次平衡与明暗,时刻驾驭着音乐的空间感,从而发出既有速度又清晰,既均匀又明亮,既轻快又细腻的声音。
4.要不断想象,想象越丰富,发掘音乐内涵深度的可能亦越大。要依靠自己的音乐本能,注意聆听,随时调整触键,造就好自己的内在听觉,懂得极其细致而敏感的指触差别:弹奏慢乐句时注意声音的延长,弹奏富有弹性的快速音群时,注意音质独具铿锵、干净；弹奏歌唱性旋律时,注意音色的温暖。
总之,莫扎特钢琴奏鸣曲的音乐是非常敏感的深刻而丰富的,决不是平板、单一的。其钢琴奏鸣曲演奏的困难在于风格的分寸标准及掌握,是否符合世界音乐界所认同的基本标准,内在的深刻与外表的含蓄和有节制的相统一,技术整齐、漂亮和技术准确性,对音乐的独特观念和理解的灵敏悟性。只有从音乐的本身深入挖掘,对音乐的内涵加深体验;对每段、每句,每个音符的疾徐轻响及其包含的意义透彻感悟,才能真正体现莫扎特音乐的本质,才能实现自己的观念和意境的可能性,才能把音乐自然而然地化为自己的灵魂。
