古典音乐跟流行音乐既迥然不同又一脉相承，发展到今天也都出现了很多流派，在大众的视野里面也存在不少哭笑不得和黑白颠倒的误解，今天来讨论讨论这个主题sisiB。
有一次我去听交响乐，旁边坐了一个西装革履的绅士，进行到第二乐章的时候他就睡着了，到最后K46属七主终止式一响他立刻醒来鼓掌，眼睛闪着泪光，好像享受了一场饕餮盛宴。最近这些年几乎没听过古典乐现场，其实以前有些时候我也是这种听着听着犯困的情况。古典乐器有很多种，木管铜管弦乐打击，木管（长笛和萨克斯都属于木管），铜管（新闻联播和国歌前奏），弦乐是整个交响乐队人数最多的，他们占了两个区域，要想更详细的了解交响乐队的编制，感兴趣的朋友可以欣赏一下英国作曲家布里顿的交响乐作品《青年交响乐指南》。
青年交响乐指南
我们一提乐队大概第一反应是这种，一个鼓，两把吉他，一个键盘，一个bass，而且bass手常常被认为是一个爱卖萌的吉他手。而其实这应该算是典型摇滚乐队的编制，现在的流行乐队里面也加入很多古典乐队的部分，像雅尼，演唱会，还有…我是歌手，当然还有一种在上世纪中叶前非常常见的乐队编制形式，这就是伟大的爵士乐，可以说是流行乐的开端。
梦剧院电声乐队
爵士乐队
爵士大乐队
交响乐队示意图
久石让武道馆音乐会
古典流行乐谱的差异也非常大，指挥总谱，各部分分谱，各种高低音谱号，表情速度标记，所有这些都要严格按照作曲家的意愿来完成，乐队的功能主要是演奏，指挥是作曲家的代理（配以关系等级图说明）.并且古典音乐对演奏乐手的视奏能力要求苛刻，视奏即看谱便能演奏，就像我们看一篇未读过的文章就能马上阅读的能力，这是乐手的基本能力。而我们看看摇滚乐队的谱子，这尼玛是什么，没错，这就是最常见的排练专用乐谱，也叫功能谱，上面的数字表示和弦级数，其余的演奏都是通过乐手的即兴（比方：吉他solo）来创作完成，排练N次后固定出一个最终的版本，就是我们听的专辑里的版本和其他不同的现场版本。在流行音乐里面还有一个词叫扒带，其实就是当磁带还是音乐载体的时候，音乐人通过听磁带把音乐伴奏原版copy出来，这也是流行音乐人的必备素质。所以如果这一幕发生，你和你的小伙伴们就不会再被惊呆了（场景：给古典钢琴听歌，给吉他谱子），当然如果涉及到流行乐队里面加入管弦乐的话，谱子就要写两种，一种是这样的，稍微复杂的标记，较为严谨的记法，另一种就是完全的古典乐谱了。这种乐队也有一个指挥，叫bandleader或者音乐总监。但一般同时也是一个乐队的乐手。
贝多芬第九交响曲总谱
李斯特钢琴练习曲《钟》
real book 爵士乐谱例
分享几张做场的时候的谱子，都是乐手亲手扒下来的，这是吉他手彭渝的谱子
这是小伟哥的谱子
小伟哥的谱子一直很工整，以前我们一起做场，附一张我的对比一下
雪峰哥我没见过本人，一直在圈子里发谱子，特别工整准确，像打印的
流行乐是从爵士乐脱胎出来的，和声节奏都能从爵士乐中找到范本，所以有人比喻流行和声是海洋，爵士和声是宇宙。黑人音乐的兴起，给西方音乐注入了丰富的节奏变化，之前的西方音乐节奏大部分也是四平八稳，强弱次强弱的律动。而爵士乐的即兴演奏实际上是复兴了古典时期失传已久演奏方式，巴赫，莫扎特，贝多芬，肖邦，李斯特等人都是即兴键盘乐器演奏大师，并且他们很多音乐作品里面的和声改变一下节奏和风格，填上歌词跟当代流行歌曲没有任何区别，所以从和声方面来讲古典乐同样是很丰富的，包含了大部分流行和声，典型的以流行歌和声之父“卡农”为代表。前面贴出来的谱例里面all by myself这首就是拉赫玛尼诺夫第二钢琴协奏第二乐章里面的和声。而且流行乐的扒带也是由来已久，Real Book这本书本身就是音乐人扒的谱子合集。
当今音色方面发展日新月异，各种闻所未闻的电子音色音效实际上已经不能适用于和声理论。而更向物理声学电子学方面发展，音乐制作人，后期混音母带师都需要这方面的知识学习。音乐创作方式也从曲谱"进化"到DAW interface，更趋向于编程思维，也就是音乐制作人在往程序猿“进化”，真是无fuck说。在二十世纪以前因为声音无法记录保存，只能通过曲谱的方式保留下来，所以曲谱系统的完善程度决定了音乐的传承发展，这一点西方的体系比天朝要完善的多，我们的工尺谱只有音名没有节奏速度表情等其他说明，只能师傅带徒弟言传身教才行，导致大量的音乐失传，录音技术的出现和革新使得曲谱变得不那么唯一，到现在发展到手机能录歌唱K的程度，技术的普及使音乐创作没有那么神秘。
古典作曲家通过设计交响乐队不同乐器组合的编制达到音响的平衡，也就是混音，古典作曲家需要考虑非常周全，调式调性，节拍速度，表情技法，乐章标题，和声配器，动机发展等等，哪怕一小节出问题后面可能就多米诺骨牌了，可以说音乐作品从无到有，从创意开始到呈现给世界，每一个音符都浸透了作曲家的心血。当然大作曲家会有人专门整理总谱分谱，但是基本是个苦力差事。这一点与流行音乐制作是有很大区别的，两者虽然都需要大量协同合作，但是古典乐主要体现在与乐队排练磨合方面，乐队参与二度创作的尺度比较小，而流行乐可能很多作品就是乐手们在一起Jam出来的或者不同的创作者合作的结果，所以我们看到曲词编曲混音母带制作人有时候是不同的人名，全能流行音乐制作人不是没有，很多古典作曲家最多只是参与某样乐器的演奏，但是在流行乐中很多制作人本身也是乐手，有的甚至包办所有编曲中含有的乐器。
全能制作人类型的，也就是词曲编曲录制混音一手包办，得过格莱美奖的电子音乐制作人Owl City（猫头鹰城市）就属于这一类的，歌曲中录制所用到的合成器，吉他，bass，鼓他都自己来，当然他的专辑歌曲风格很统一，他擅长这一类歌曲的制作。
Owl City音乐传送门网易云音乐 听见好时光
常石磊也可以算是这一类的，可以说他更加全面，各种音乐风格拿捏得相当娴熟，制作的每个流程都参与其中，又是一个自带效果器的歌神，能写出哥哥，老爸那样穿透心灵，催人泪下的抒情慢板流行歌，也擅长炮制电音舞曲民族世界风各种融合的high歌，既可以保质保量的改编经典中英文歌，又对传统音乐理解深刻——具体可以听一听他2009年的专辑《Niu China》，这张专辑被称作当年华语最好专辑不为过。
他是我最喜欢的音乐人之一。贴一个常石磊豆瓣小站常石磊的小站（豆瓣音乐人）
一手包办并且做得出色的人毕竟凤毛麟角，更多的人选择合作，比如一个吉他手写了首歌找几个好哥们组个乐队，基本上可以说这是摇滚电声乐队的歌曲制作的开始，当然最后制作出来的是口水歌，是金属，是民谣，是蓝调，拉丁还是爵士这些都有可能，然而这个制作过程跟此片展示的和个人包办的都不一样，摇滚乐队的歌曲很多是实时录制的，也就是乐队排练出一个定型成熟的版本然后一起进棚录制，一首歌可能会有几个take最后拼在一起，也可能是从头到尾录几遍截取拼贴或者选其中最满意的一条，当然一条过的情况也有。关键在于乐队主体配器是实录的，之后再加点其他色彩乐器，铺底音色，音效当然也是常用的手法。而按照这个方式制作的音乐里面包括的不同风格的音乐又有区别，比如蓝调，传统的十二小节，和弦基本类型是14541的循环，即兴solo的部分每一遍rehearsal都或多或少的不同。出来的结果就有很多种可能。爵士乐就更是如此了，各种替代转位和弦，省略音，挂留音，增减音程，即兴音阶的不同排列组合，变化的可能更大结果更多。所以这类音乐听现场跟CD就很不一样。
链接是Radiohead专辑录音室录制时的纪录片Radiohead《In Rainbows》Live From The Basement
与前者的即兴自由相对的是古典音乐和影视配乐（有交响乐和复杂乐队组合配置的），这两类音乐特别讲求严谨，所以从作曲，制作人，指挥到演奏者都要有谱子，总谱，分谱的标记都必须精确，甚至像莫扎特，多尼采蒂等等很多作曲家把华彩段落的每个音符，表情记号都标记的详细明确（如图1）。而且往往作曲家会把总谱分谱写作，配器（也就是流行音乐的编曲角色），指挥，制作人这些工作都做好，像影视配乐肯定需要参与录音指导，混音母带以及电影配画的过程。然而就在影视配乐的领域，各个大牛也是各显神通，汉斯季莫是乐队键盘手出身，没有学院派背景，相对于约翰威廉姆斯（星战，辛德勒名单，哈利波特等等电影配乐作曲家），交响乐写作手法会逊色许多，但是寂寞叔会在合成音色的研究以及探索创新乐器配置和搭配音色方面下更多功夫，比如为了给超人钢铁之躯配乐，他召集了十多名大师级鼓手，围圈摆位，共同演绎这部11.1通道环绕声的鼓乐，寂寞叔要的效果就是让强烈的音乐“把观众包围”。事实也证明这种群奏模式非常震撼。（如图2）所以每个配乐作曲家的音乐制作流程也是很不一样的。像瓦格纳，马勒等后浪漫主义时期好大喜功的作曲家动辄几百人的编制，能做好这么多乐器声部的平衡确实需要非凡功力。（如图3）
图1（多尼采蒂《偷洒一滴泪》）
图2（超人钢铁之躯鼓乐录制）
图3（古斯塔夫马勒千人交响乐）
除了这些普遍应用的音乐制作模式，还有像Mike Tompkins的人声Acappella独立制作，全部由他的人声和非乐器声音录制混音而成的音乐作品。可以说软硬音源我都不吃那老一套了，这种探索也是匠心独运，独领风骚。
附链接一个人乐团紅遍全球：看歌手Mike Tompkins的绝技
在国内提到古典音乐往往绕不开学院派，而谈到流行音乐常常跟野路子脱不了干系。今天我作为一个从学院派走出来的野路子也谈谈我对这个现象的浅见。
现在国内外的学院派基本分为三派，古典派，现代派，民族派。古典和现代大部分写出来的不能听，易睡易抓狂，还有些不雅不俗不伦不类的，我觉得教学和传承都病入膏肓了。民族派算是最好听的，但冷饭炒来炒去的就那些料。热衷于搞音乐创作八股文的学院派可以完全两耳不闻窗外事，也不关心当今世界音乐已经发展到了什么地步，从这方面讲，很多学校的音乐老师大学教授还不如从来没学过音乐的歌迷懂音乐。说实话除了我们这些在学院里待过的也很少会有别人关注他们，就这样这三派互相之间还经常掐，窝里斗的厉害，出了窝可能什么都不是也只能窝里斗了。说到这很多人会吐槽我，那是大部分听众根本听不懂，古典音乐欣赏门槛高，本来就不是写给老百姓听的云云。可是听众为什么非要听懂古典音乐里面的乐理，和声，复调，配器四大件，听出你是引用了梅西安还是在向贝多芬致敬，听出你更偏向匈牙利民族乐派还是萨列里的多少代传人，我们能从完全听不懂的音乐里面听出每个人的理解和感动，不管是文学上的，感悟上的还是个人经历的共鸣这才是好音乐，如果还能因此陶冶了情操，提升了审美，让更多人爱上音乐成为发烧友那更是经典作品。
无论是华语乐坛还是国际乐坛，学院派贡献非常少，罕有从学院毕业的业内大牛作曲家制作人，那也是人家个人修养高，跟学校熏陶没啥关系。像国内的音乐院校起的是毁人不倦的反作用，一方面考学大环境，很多学生文化课不好选择学艺术上大学混文凭，另一方面很多怀揣音乐梦想的人花了不少金钱和精力考入音乐学院发现大跌眼镜，不过音乐学院的专业老师这些年也真是发了考学的大财，虽然现在好多学校为了招生也设置了现代音乐专业，但是看看里面的老师的履历真是五花八门，各路神仙，有吹唢呐教萨克斯的，弹琵琶改吉他的，唱美声带通俗学生的，青年老师还有些出色的，奈何资历不够做不了考官你懂得，所以想进音乐学院学习流行音乐那不仅是图样图森破，可能大学四年没等毕业就完全磨的你失去对音乐的热情。但无论在哪学音乐，选对老师，尤其是刚开始入门的时候是至关重要的。
下面简单谈谈古典和流行演唱，也就是声乐方面的对比，我贴几个之前讨论周董演唱的文章，想详细了解唱法技巧方面的介绍可以点开传送过去。
声乐顾名思义就是将人声作为乐器，是人声音乐的艺术，而古典声乐和流行演唱有很大的区别，那什么是古典声乐呢，比方说：多明戈 卡雷拉斯 卡拉斯……帕瓦罗蒂 而且就算你不了解古典声乐你也一定听过今夜无人入睡，相当于咱们的难忘今宵。流行演唱嘛就没有那么规矩了，喜欢听华语流行的，或许你常听李宗盛 邓丽君 齐秦 张学友 刘德华 周杰伦 萧敬腾 当然还有韩红 和 刘欢 喜欢摇滚乐的可能会听披头士 greenday 活结 死亡金属 还有老少咸宜流行摇滚傻傻分不清楚的五月天，当然这货也说自己是玩摇滚的——左小祖咒。。。民谣歌手比如梁晓雪 曹方 赵雷 周云蓬。。。这些唱法百花齐放但都属于流行演唱。其实这就像正装与便装的区别，正装无非就是西装领带配皮鞋，制服丝袜高跟鞋，便装的风格就不计其数了，有人喜欢混搭，有人喜欢嘻哈，有人热衷运动，有人只爱学院派。
很多人不明白甚至嘲笑美声歌唱家头大脖子粗装腔作势，实际上这个原因主要是巴洛克古典浪漫时期没有扩声系统，简单说没有麦克风，所以要尽可能将人声音量最大化，将人声的共鸣发挥到极致，结合剧场的声学设计以便声音可以充满整个演出空间。美声歌唱家实际上也可以是很活泼生动个性十足的，在国内的情况是大部分人只会美声唱法中遗传的宗教般的严肃和正经，失去了可爱的一面。
刘欢
张学友
放错了歌神是这样婶儿滴
三大男高音
Beatles披头士乐队
Slipknot活结乐队
周云蓬
古典和流行音乐的对比还有一个大类——剧，这是不得不说的一类，古典以歌剧舞剧为代表，流行主要是音乐剧当然还有很多其他类型的先锋剧，我不是特别了解等以后再讲吧。
歌剧和音乐剧的共性和个性，很多人说音乐剧是从歌剧发展继承而来，这个论点我同意一半，确实音乐剧这个概念出现或者说记入音乐史是十九世纪末二十世纪初，但是实际上熟悉西方音乐史的人都知道，早在文艺复兴时期，意大利法国的民间通俗“音乐剧”已经流行开来，在音乐史上叫早期歌剧，但是当时的唱法，编配，演出形式可能很多样化没有古典浪漫时期歌剧那么多条条框框。
音乐剧的经久不衰，四大音乐剧连续上演了三十多年，到现在巡演仍然一票难求，很多观众甚至已经看了N个版本仍然喜爱不已，记得我去伦敦看音乐剧网上订票的时候会看到一些音乐剧论坛上有一年刷N遍网友的留言。现在喜爱歌剧的人也不在少数，但影响力差太远。到底音乐剧的魅力或者说魔力在哪里？剧情更通俗易懂引发共鸣，表现手法更多样不拘一格，舞台剧场技术惊叹神奇，像猫里面演员爬到观众席上，剧院魅影吊灯坠落从观众头上甩过去这些特效在传统歌剧里面不能想象的，我说再多不如亲自去看一看，没机会到现场网上找个高清版吧。
威尔第《茶花女》
普契尼《图兰朵公主》
柴可夫斯基芭蕾舞剧《天鹅湖》
悲惨世界
剧院魅影
不用往下拖了，没了，文章到此告一段落，想起来我再更吧嘿嘿嘿......
