要理解、学习一门学科或一种知识，对该学科或知识本质上的掌握是最重要的事情，透过对本质的掌握，进一步建立该学问的知识架构体系，如此才能真正宏观的认识理解该学科。而每一门学问的本质，通常由专业术语来界定，透过专业术语的运用，来定义个别细项及内容。音乐的学习也不例外，除了用心感受、体会音乐之美外，“音乐”作为一门学问，也可以透过上述的方法加以理解分析。只可惜大多数音乐系学生，特别是学习演奏的，没有养成理性分析思考音乐的习惯，对记载音乐的工具— 乐谱，不详加推敲研究；对演奏，也不讲求方法。若不用正确的方法弹奏，而只是一再反覆的、机械化的练习，不但旷日废时，更像是走错了路一般，走得再快也走不到目的地。很多音乐术语，或许看似简单明了，但它就是定义音乐、理解音乐的基础，所以在此我不厌其烦地说明，希望能引领爱乐者、习乐者进入音乐殿堂，体会堂奥之妙！
【音乐】：有系统、有组织的音符串连
个别的音符不构成音乐，有意义、有组织的音符串连才是音乐。音乐的基本要素有音高、节奏、音色，进而产生动机、旋律、音阶、和弦、调性、声部等构成音乐的变化与发展之材料。
【音高】
音高可说是音乐最重要的元素，音高形塑旋律，是辨认一首乐曲的关键，正确的音高演奏，也是演奏最基本的条件。除了弦乐器对音高（或音准）的要求严格外，管乐器、声乐也讲究音准，所以音感的训练均以辨识音高为基础。演奏之前要先确实地把乐器的音调准；演奏时除了注意自己的音准外，与人合奏时，更要注意聆听彼此的音准是否ㄧ致，如此才能演奏出和谐、美好的音乐。
【动机】：由数个音符所组成的音型，是构成音乐的最小单位
如贝多芬第五号“命运”交响曲的开始动机。动机呈现出乐曲的基本个性，动机的变化与发展则指出乐曲进行的方向，并构成音乐的面貌。ㄧ般而言，乐曲的开始就会有清楚、明确的动机呈现，掌握了动机的表现，就掌握了乐曲的个性，所以演奏时的首要任务是先分析动机的组成方式、内容为何，再思考应该如何表现。
【旋律】：不同音高音符的串连，加上节奏的变化
每个人对于优美旋律的感受虽然不尽相同，但一般而言，优美的旋律是指音符以级进为主的进行方式，偶有跳进音程的变化。优美的旋律强调音符与音符之间（音程）的连接与转折，也就是所谓的旋律线条的波动、起伏。演奏优美旋律的诀窍，在于着重圆滑奏、歌唱性；辅以音符进行时高低起伏所展现的音量大小变化；去感受并表达出音符与音符衔接的关联性与方向性。现代音乐旋律的呈现方式或许异于传统，但其歌唱性、情感表达的本质并无改变，不应该演奏得呆板而无趣。
【主题】：或称作“主旋律”，由ㄧ个或数个动机所组成的ㄧ完整乐念
主题为整首乐曲设定了基调，是乐曲基本概念的呈现。若用语言作类比，音符就像是单字；动机则像词或片语；主题就是句子。将主题所代表的音乐概念清楚的表达出来，就有如文章的“破题”，借此，我们得以了解乐曲进行的脉络。主题内容的清楚呈现，有赖于对组成的不同动机的分析，掌握每个动机的特性，及它们之间的关联性，才能将主题表达的清楚而生动。
【节奏】：音符的长短变化
节奏感，指的是音符的长短变化分明、对比强烈。要表现音乐的节奏感，就必须长音演奏稍长ㄧ点、强ㄧ点；短音稍短ㄧ点、轻巧ㄧ点，让长音符短音符之间的对比明显，例如附点8分音符与16分音符的对比。通常越活泼，越有精神的音乐就要强调其节奏感。
【韵律感】：音乐进行时节拍所带来的一种律动感
韵律感与节奏感有关，但是节奏感强调的是个别音型音符的长短对比，而韵律感是音乐进行时节奏与拍子结合所产生的ㄧ种脉动或动感。所以精确的节奏表现不等于韵律感，但富有韵律感的音乐ㄧ定蕴含着节奏感。
【速度】：一首乐曲的步调
速度的快慢是传达乐曲情绪的重要元素，快板常给人愉快、有精神的感觉；反之，慢板则较优美或感伤。速度可说是音乐的主轴，举凡拍子、节奏的快慢；旋律的表现方式，都由速度来决定。但是速度并不等同节拍器上的数值，相同的速度，不同乐器或不同人的演奏，感受不尽相同；速度些微的不同，也会让乐曲呈现不一样的风貌。所以演奏者在开始演奏之前，一定要先想好速度，找到适合自己，又能表现乐曲风格的适当速度。
【音色】：声音的质感（tone quality）。音色有两个不同层面上的意义：不同的乐器发出不同的音色；不同的演奏方式（articulation）产生不同的音色变化。
每ㄧ种乐器都有其特殊的音色，作曲家作曲时也会思考每种乐器的特性，为该乐器量身订做乐曲。优美动听的音乐演奏必须透过发挥乐器最佳性能来展现，所以每位演奏家都应多思考所演奏的乐器与其它乐器有何不同，了解该乐器的限制及音色上的特质，才能尽情的发挥该乐器的音色特性。
另一种音色是指透过不同的乐音处理方式（articulation），展现出乐音音质上的变化。这种乐音的处理方式弦乐器称为“运弓方式”；管乐器是“吐音方式”；键盘乐器则称为“触键方式”。以键盘乐器的“触键方式”为例，要讲究触键的长短、触键快慢、用力多寡、触键的角度，这几种触键要素的排列组合，就会产生不同的音色变化。演奏者首先要看清楚乐谱上的要求，想像要演奏出什么样的音色，最后再决定用什么样的触键方式来呈现这样的音色。
【三和弦】：简称和弦，是五三和弦的简称，指连续两个三度音程的重叠
三个三度音的重叠则称为七和弦，以此类推九和弦、十一和弦等。三和弦有四种：大三和弦、小三和弦、减三和弦、增三和弦，不同的和弦有不同的色彩，展现不同的个性，听觉上的感受也大不相同。
【和声】：和弦的连接、進行
和声色彩，是不同和弦连接时，所产生听觉上的声响、色彩变化，如和谐与不和谐、明暗、强弱、扩张与缩减等等。“和声学”即是和弦连接、进行的原则与原理。演奏和声时要体会和弦进行时的变化所带来的内心感受，进而把这种感受表现出来。
【对位法】：多声部音乐（或称复音音乐）声部与声部之间音符对应的规则
巴洛克时期的音乐多以复音音乐的方式呈现，在演奏上除了注意个别声部的清晰、歌唱外，更要兼顾声部之间的互动关系。若用旋律线条来看声部彼此关系的话，最好听又和谐的，就是平行三度或平行六度的声部关系；反向进行的声部则产生听觉上的张力感；另外还有斜行或不规则的声部进行关系。多声部音乐有如几个人之间在对话，每个作曲家所安排的声部之间的对话方式都不尽相同，也使得复音音乐听起来复杂又多变。为了让音乐听起来有规则可循，复音音乐通常会有清楚且重复出现的主题。声部之间的变化、音乐的开展，都紧紧的扣住主题，所以演奏复音音乐时，主题的演奏方式要仔细推敲研究。
【曲式】：乐曲的架构、音乐的形式
曲式之于音乐，有如骨架之于人体。曲式可庞大可短小、或严谨或松散，但仍然有一架构存在，音乐若没有了曲式，就只剩下一串串零散的、不知所云的音符。演奏家除了演奏出优美的旋律、正确的节奏、动听的音色外，更要把整首乐曲的架构组织起来，表现出音乐的形式美，这也是音乐艺术的最终目标！
