从初中创作完自己的第一首单曲到现在，自学作曲编曲已经有十余年，目前仍然在这条道路上奋力前进！作曲与编曲是我在音乐上最为之自豪的一个能力，我所学习的钢琴，乐理，吉他，创作，配器，混音，录音，母带等等都是为了完成仅仅一件事情，那就是创造出深深打动自己和打动听众的作品，也是我终生的追求和做职业音乐人的初衷！
最近在写的一个作品
在这里我会结合作曲（创作）和编曲两个方向一起来阐释，因为我认为对于一个作品而言，这两个方面其实是密不可分，缺一不可，并且相互成就的。以下统称为“创作”。
我一贯和别人说，学音乐一定要找你能找到的最好的老师。但是，唯独在创作上对于找老师我保持一个中立的态度。因为没有任何一个老师，能教会你写出你的作品，只有你，才能写出你自己的作品，只有你！自学很关键，很重要，也是必经之路！
在互联网时代下，我们不缺乏好老师，在音乐的任何领域你都可以找到大师的教学视频，书籍等等。我平时也会去系统的收藏不同类别的教学，并且详细做好播放列表的分类，以便温故知新。
创作是一个系统十分庞大的一门学问。但是！创作的逻辑非常简单！只要你的逻辑清晰，思路明确，其他看似庞杂的内容只不过就是你需要去解决的一个个支线任务罢了。（我大概浏览了一下，大部分的回答其实都是对于创作的某一个分支进行解读，没有提及创作的主要脉络）
我将从实践的角度来阐明我总结出来的这个逻辑，希望对大家有所帮助。（我这个人只相信实践，只相信作品）恰好我喜欢自学音乐，并且对此乐此不疲的原因就是，我学到的任何一个技能，都可以立马运用到我自己的创作中。
我不会直接上来就告诉你，要学什么乐理，要搞什么DAW，学什么混音入门，那都是盲人摸象，看不到全局。因为创作所涉及到的领域和体系十分庞大，我也没有可能在一篇回答里详尽的把每一个细节给大家梳理完。
我希望和你分享的是一个方法论，一个好的思路，能够引领我们清晰的去做接下来的每一步，即使所需要学习的内容可能需要耗费很长的时间，但中心思想不会乱。简单来说，就是告诉你，你学的每一个内容的目的是什么，以及怎么去运用它。
首先我认为创作的逻辑是，从大往小想，从小往大写
从大往小想
我们在创作的时候，首先脑海里要有一个基本的构想，而不是一上来就开始编和弦，编旋律，安排乐器之类的。脑海中首先要知道：
我这个作品最终呈现的样子大概是怎样的我的作品想表达或者传达一个什么样的内容，主题或者情感我的作品希望是怎样的一个结构，有多少段落，动态有多大我的作品的主要风格是什么，能否融合创新新的风格
有了这一些基本的思考那么接下来就往更细微的方向去思考：
为了达到我最终作品的样子，我应该去参考哪一些优秀的作品为了传达这样的内容主题情感，我希望用哪一些和弦，节奏型，乐器（效果）
这样你的整个创作过程就不是想到什么写什么，有什么灵感就编什么，会什么就往音乐里堆。而是切切实实的往你心目中作品的样子去靠拢，有的放矢。
从小往大写
这时候你的脑海里已经有了较为清晰的脉络，但是千里之行始于足下，创作中还是得一个音一个音脚踏实地的来搭建音乐的宫殿。创作一个作品的第一步需要灵感，实验，即你需要一个“引子”，“intro”，带你进入你这个作品的大门。（我认为创作音乐不仅仅是人在写，更是我们聆听内心深处的声音，让音乐引领我们把我们本就有的情感给表达出来。所以任何人都具备创作的潜能，不过因为创作的技能不同，每个人表现内心音乐的能力会有差异）我们可以这么做：
大量的听与要创作的作品同类型的音乐和完全不同类型的音乐，让脑子有足够的信息量输入，我们才有足够的灵感可以输出去用你会的乐器或者是唱歌的方式，创作出一段旋律，或者一个Riff，一个和弦进行，一段节奏等等，这就是你的“引子”，它本身需要足够的打动你，让你有极大的渴望和信心来进行接下来的创作/编曲
其实在这个地方，我们常常会遇到创作的第一个门槛了，一段优秀的旋律，一个抓耳的Riff，一个动人的和弦进行，一段精妙节奏，本身就是一件并不容易的事情。如果你可以轻松的创作出来，恭喜你，进入下一个步骤吧。
但如果在这一步遇到了障碍，那么太好了，更要恭喜你！你已经找到了你的第一个需求点（Gap），自学的第一个步骤来了。为了创造出这段“引子”，问自己，我还差哪一些技能？
（这一些知识不仅仅适用于创作“引子”的阶段，但是至少你现在知道，我学习他们的目的之一，就是可以首先运用于我创作的第一步，为整个作品打下厚实的地基，想想是不是有更大的动力去学习了呢？）
平时积累的乐理笔记
虽然纯粹的头脑风暴式的去尝试，去实验一定程度上可以创造出不错的“引子”。但是如果有更好的音乐知识作为支撑，你的创作会更加流畅，更加自信，最重要的是，不至于那么快的遇到瓶颈，你的每一次创作都是在稳步提升。
有了“引子”之后，我们开始构思曲子的第一个部分即“首段”如何创作/编曲。一般来说，任何风格的音乐都是需要“主歌”和“副歌”，（因为音乐是有动态的），通常情况我们可以把主歌或者副歌放在首段，这里开始真正涉及到编曲的范围了。
通过前面的从大往小的思考，首段最重要呈现的效果，在我们脑海中已经有了基本的模样。那么要达到心里想的样子，我们会需要用到不同的乐器（可以是采样，合成器，人声等等，以下统称乐器）。因为一个乐器的音色，有他自己的一个色彩，这个色彩融入到你的编曲中的时候，会增添它独特的情感，这些情感和色彩巧妙的融合，叠加就可以帮助你的音乐画布画出完整的景象。
我们每个人都有自己熟悉的乐器领域，也有知识的盲区，但一般来说，盲区比熟悉的领域多太多。因为每一个乐器往往都是需要大量的时间去学习，练习，甚至终生的付出才能达到其至高的状态。对一个创作者来说，你对这门乐器越是熟悉，那么你在创作的时候就有更大的想象力空间，更多的灵感，以及更强的表现力！
举一个简单的例子，
创作一首曲子的“首段”我会需要用到：
爵士鼓，打一段流畅的节奏，让Groove非常的有律动感和精妙的感觉贝斯，具有一定的旋律性，配合鼓的Groove让律动更上一层楼电吉他，一段抓耳的旋律，可能是单音也可能是和弦的变体弦乐，铺垫基本的色彩，给曲子带来Tone的基垫
（这里没有提及采样，合成器之类的非实体乐器，因为我想把内容讲得简单一点，他们概念都是相同的）
然而在你所需要用的的乐器中，每一个都是极其复杂的存在，每一个都具备自己独特的技巧和Articulation（发音方式），例如爵士鼓的ghost notes，double kick，transition，双跳。军鼓，地鼓，踩擦，吊擦，叮叮擦（还有很多其他规格的鼓和擦片的套件）都有很多自身独特的演奏方式，他们在声音的采样中也有很多不同的方法。再加上不同的节拍下大量的节奏型，奇数拍，想要写好一段鼓，并非一件容易的事。
我搜藏的关于学习鼓的一视频列表截图，虽然我并不打鼓
再例如弦乐，小中大提琴和贝斯他们各自的音域，弓法，演奏技巧，以及融合在一起的时候的排列，也是一套专属的体系。
弦乐的Articulations
这里并不是说你需要对每一个乐器都了如指掌，这里是给大家一个方向，为了创作出你心目中理想的“首段”，你对这些乐器的运用熟练程度到了哪里，以及今后在学习他们的时候明白，我学了这一个知识（例如爵士鼓的ghost notes）可以运用在哪，如何运用。
有了完成一个完整段落音乐的能力，接下来的创作就是类似的重复工作了，即运用同样的技巧创作你的副歌段落/过度段落/结尾段落/solo段落等等。这时候你可能会遇到新的问题是，段落与段落之间的链接问题，你既不想要段落时间相似度过高，让听众无法有惊喜之感，又不想要段落之间落差太大，无法衔接，并且听起来不像一首完整的曲子。
其实这和我们写和弦有异曲同工之妙，两个和弦之间相似音越多，衔接起来就越流畅。段落之间保持相同的和弦，或者相同的器乐，相同的乐句等越多，那么两个段落衔接就越紧密。当然我们也可以通过精妙的手法，创造出完全相悖的段落，给听众极大的听觉冲击，并且保持曲目的完整性，像是作曲者有意而为之。
总结：
以上就是从实践出发，在你创作的每一个大的步骤上，你可能会遇到的困难，以及遇到对应困难的自学的解决方法。心中的目的越清晰你的问题就越清晰，你的问题越清晰你去寻找答案的时候，答案的准确度就会越高，你解决问题的效率就会越高。
我自己就是在一个又一个作品的创作中，不断的自学，并且每次都尝试写前一次作品没有写过的内容，突破自己的舒适区，这样才会有进步。在这不断实践和学习的循环中，你的自学能力会得到极大的提升，并且会形成你自己的学习习惯和学习方法，你对如何自学编曲（创作）这个问题就不会有太大的疑虑了。
最后期望大家都早日找到最适合自己创作的实践以及学习方法！
这里我另起一个段落，分享一些在创作上的心得，和上述的方法可以相互补充，都是实战中总结出的经验，希望对大家有所帮助！学会用好你的耳朵，这是成功音乐人最大的武器！
当你有了基本的创作意识之后，你听一首曲子的角度会发生天发地覆的变化。尤其是你听到一首非常惊艳的曲子的时候，你会不自觉的去对他进行分析：这个曲子的配器有哪些，每一个乐器的编排如何，技巧如何；曲子的混音做的如何；整个曲子结构是怎样的，哪一个段落让你觉得特别惊艳等等。
爵士大师Jamey Aebersold对于练耳的解读部分截图
你的耳朵会想去主动的分析出曲子的和弦，根音，调式，就仿佛你是曲目的创作者那样，把曲子从内到外，透析得干干净净。然后你大脑会潜意识的记住这个曲子带给你的感觉，或者编写上的精妙之处，最后在你创作的时候，成为你灵感的源泉。
即使你现在还没有这样强烈分析曲目的潜意识，那我也希望你有意识的去听音乐，把它转化成一个习惯。因为我们的大脑运作的方式和电脑很像，需要输入才会有输出，你的输入越多，越复杂，那你的输出也会更加高级。
在你没有灵感，或者是创作前期，我都建议你大量的去聆听，让你的Idea飘出来，是一个自由自在，无所束缚的状态，然后再去慢慢的规划你的创作。
再者，艺术是一脉相承的，没有人可以凭空创造出一种全新的艺术。我们每一个人包括大师在内都会有自己崇拜的音乐家，会想要向她们作品，风格或者是感觉靠拢。例如我自己，喜欢前卫金属（以Plini, Periphery, Polyphia(前期作品), Owane, Jakub Żytecki, Interval等为代表）；喜欢浪漫派和现代派古典乐（以肖邦，柴可夫斯基，拉赫马尼诺夫等为代表）；喜欢电影和动漫配乐（以Hanz Zimmer，泽野弘之为代表），那在我的作品中或多或少会带有他们的影子，这也是我在大量聆听中所形成的音乐风格和创作灵感。
所以分析你们喜欢的音乐人的作品，以及你们喜欢的音乐人喜欢的作品可以帮助你在前期创作中获取灵感。并且对其灵活运用，最后形成你自己独特的风格是有巨大帮助的！有些人可能懂得硬知识并不比你多，但是创作出来的作品却更加优秀，就是因为他们有着最好的老师，他们的耳朵，音乐本身就是最好的老师，大师会的所有东西，都表达在他们的音乐当中了。
2. 对于音乐的品味决定了你创作/编曲的天花板
想要提升自己的创作能力，一定要提高自己的音乐修养和音乐品味。品味这个东西是长期学习建立起来的，我们需要不断的走出自己的舒适圈，甚至有些时候强迫自己去学习，去听一些不太喜欢但客观上非常优秀的音乐作品。（可能大部分人不太喜欢欣赏的是古典音乐和爵士乐吧，尤其是巴洛克时期的古典和五六十年代甚至更早的爵士）
就像我之前所说，音乐是一脉相承的，只有我们追溯到源头然后一步一步的了解音乐的发展，把老一派布置的作业完成，才能更好的创造新的音乐作品。在这个过程中，你也许会有非常多意想不到的收获，以及创作的新思路。
3. 一些简单好用的实践方法
我的创作日记部分截图
我的常用和弦库，能够代表我的作品的和弦色彩
最后我想说的是，再创作上的这套方法是我自己总结出来的一套体系，可能并不适用于所有人，并且可能和其他的创作编曲方法不同。我分享出来的目的是希望在一些方面能够对大家有所启发，有所帮助，能够彼此碰撞新的灵感。希望大家求同存异，彼此尊重，互相学习，互相分享。
陆陆续续加起来写了差不多有10个小时了，如果有想到新的东西我再更新上来。
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