节奏跟律动之间的差别到底是什么？要把Rhythm转化成Groove需要有怎样的认知与作为呢？
熟悉舞蹈的朋友应该有感受，其实音乐的节奏和律动跟舞蹈原理是一样的，讲究动作的整合与韵律的流畅，但是现在的音乐教育，培养我们一开始就要习惯看着乐谱学音乐，忽视了身体的感受，这种内化的功夫反而在儿童跟舞者身上，表现得更明显了。只要记得动作、照着节拍走就不用失误或是被绊倒，这就是内化Groove的概念啊！
视谱能力当然也很重要，但是我更在意的是学习顺序的问题，应先感受音乐而非阅读音乐，第二个更严重的，就是以为记谱的音乐是高级的、优越的，这实在是一种偏见。现代音乐对于节奏上的纪录极限，大概只能是记谱了，但是五线谱对于节奏的捕捉是非常有限的，需要要用身体动作来学习，而非纸上谈兵。
爵士萨克斯風大师Steve Coleman讲的非常正确，打个比方来说这就跟静态照片与动态影片的差别一样，静态照片只能捕捉一瞬间，但是动态影片可以捕捉一段时间，跟田径赛跑一样，现在的科学训练法会根据动态影片的纪录，来修正跑者的姿势，毕竟赛跑是动态的，律动也是动态的。
Groove虽然经常翻译为律动，但是也许更好的解释是动能，运动中的能量
我认为合理的学习方法是先体验Groove的身体感受，不要先想看乐谱，然后再逐步以乐谱来辅助，再继续带领示范修正到正确的律动。
譬如像最常见的Swing Feel问题，记谱上根本无法准确表示，得靠老师来示范、引导操作与修正，而不同的音型与节奏型甚至要以"感觉上慢一点"或"动作上快一点"来处理，谱面很难做到。
Funk Feel也是，记谱看起来很简单的两个小节，很多人都忘记了这是需要循环的，也就是说持续性跟稳定性非常重要，内行的人会常说一个鼓手真的很funky，其实很多时候来自于他的二四拍感觉更「沉」，还有过门时候的一气呵成。关于Funk Feel，我特别推荐大家多观察与模仿Bass的演奏以及句型，好的Groove Style贝斯手就像是音乐的舵手一样，光看他们的演奏就知道音乐会不会Groovy起来。
还有Latin Feel更为明显，在演奏与合奏的时候，很多律动的基本型是「嵌」在旋律与节奏中的，如果没有事先培养这些"看不见的律动"，光照谱演奏就会出现滑稽的所谓”古典感”，所以说事情不能总是看表面。
在Groove类型音乐如拉丁、爵士、黑人音乐中，节奏律动的稳固比什么都要来得重要，很多人会以为这些爵士乐大师是用了什么神奇的没听过的“爵士音阶”——当然他们的和声概念与选音都很强——但万万不能忽略的是那个持续与稳定的律动。这需要有方法的练习，不能光凭感觉，因为你我的感觉势必在刚开始时会有盲点，会被自己“骗”。
看到这里你可能会问：有必要这么严格吗？我想强调的是，很多音乐听起来味道很对，有些听起来总是出差点意思，其实就是律动上的细微差异的影响。
我会建议想学习Groove类型音乐的学生，学习一点爵士鼓，或者观察爵士鼓也是个很实用的选择，因为从整合四肢的动作与计算中，你就更能理解音乐中的Time是什么意思。学习爵士鼓不是要你去打什么复杂的节奏或copy一首流行歌，而是去感受更完整的Time Feel，这段影片中我们可以看到爵士萨克斯大师Michael Brecker在示范爵士鼓，所谓的Straightahead Swing Feel，他的打法就真的跟他的偶像爵士鼓大师Elvin Jones一样，尽量一样地呼吸。
节奏感的培养不是给你谱，然后你可以很快视谱或是记下复杂的节奏，而是感受节奏的循环跟整合。
讲到这里我想起一段往事：刚回国的时候我们也在某艺校表演艺术科任教，一次跟教授音乐基础训练的老师交流，这位年轻的女老师问我该如何增加学生的节奏感，然后她拿出她的教材讲义，看起来密密麻麻挺复杂的，她说要培养节奏感不就是愈难的节奏愈能视谱演奏吗？但她越教挫折感越重，因为她的想像的跟现实中学生做到的完全不一样。
所以这就是本位主义产生的认知谬误，节奏感的培养得循序渐进，先从感受得到跟分辨得出着手训练，读谱记谱是后面的事，而古典音乐训练让你认为“音乐就该这样教”，终究是徒劳无功的。
这个故事最后送给大家，重要的不是说哪种音乐孰优孰劣，如果会这样想那就是搞错重点，重点是音乐的型态不同、风格不同，学习的方式自然也会不同。所谓的技巧，不是指音很多、很快、很高、很复杂...才叫技巧，节奏律动的掌握也是技巧，既然是技巧，那都是需要花时间精力来练习和累积的。
