本文选自布鲁斯·皮尔森著的《标准化训练教程》，从提高音色质量、音准、节奏的准确性与独立性、技术与能力、平衡、力度、木管乐手的发声练习、乐句处理法、合奏、读谱几大方面简要谈了关于管乐团技能训练的教学提示。
A. 提高音色质量
1、良好音色的概念可以通过运用个人独奏或乐队合奏的模式来建立。为学生们播放范例录音。“在你脑中存在的声音才是你将会奏出的声音。”
2、对于木管乐器演奏者来说，气息与口型是创造良好音色最重要的两个要素。
良好音色要求适度地运用气息。
通过音准，可判断出学生是否使用正确的吹奏口型。演奏时，学生们需要打开并放松喉咙，利用笛产学研（长笛）、吹口与活塞（单簧管）以及劲口（中音/低音单簧管和萨克斯管），或者单独利用嘴唇（铜管乐器）奏出正确的音高。
3、木管乐器演奏者应该想象一下气流贯穿乐器——将声音带出的过程。
4、无论是强烈或柔和的吹奏，气流的速度应当保持不变。而演奏强烈的音符比柔和的音符需要更多气息。注意保持气流速度的一致十分关键。
5、整体音乐不仅仅是个体音色的简单融合，还要十分注意音域与音色的层次。一个良好、基本的合奏音响层次应当表现的像金子塔一样。
6、良好的合奏音色可以通过最低声部乐器美妙的力度变化，在渐强与渐弱中获得。
7、对打击乐器音乐保持敏感。坚持让打击乐声部的每一位成员奏出良好平衡的音色。可以通过运用不同的鼓槌、旋律类打击曲与其他乐器来熟悉不同的音色。让打击乐手们倾听自已的声部的同时注意合奏整体的音响。
B. 音准
1、在乐曲中蕴含的演奏艺术，要求演奏者具备浪好音乐表现力和良好听觉感应力。你不能以欠佳的音色演奏乐曲——独奏与合奏中都不行。
2、入调（音准）地演奏乐曲是音乐家的责任。教师/指挥的任务是教会他们如何去做。教导学生们哪些声音是入调，哪些是跑调(音不准)。
3、演奏者对乐器进行预热练习后再进行调音。
4、帮助学生理解各自乐器的音准偏向。
5、依照和弦根音逐次调音。让学生们在演奏前试唱基本音调。
6、教导学生进行声音的匹配练习。告诉他们谁演奏的是相同的音高或旋建线，进而让其它人聆听并演奏那些音高。
7、合奏中良好的音准与保持声部平衡有着千丝万缕的关系。以金字塔般层次的音响进行合奏。
8、在合奏中让学生们利用纵向、横向的方式进行调查。
9、让演奏者们“三人一组调音”（你自已与左右两位），最终将整个乐队将串联起来。
10、学生们需要知道正在演奏的是和弦中的哪个音，并且需要注意一些基本和声音准调整：
大三和弦——三级向下调整
小三和弦——三级向上调整
属七和弦——七级向下调整
11、在音准基础上对学生吹奏力度（音量）效果进行指导。
C.节奏的准确性与独立性
1、合奏时必须去感觉音乐内部律动（一般指节拍的划分）。节奏的处理应当具有活动。
2、当演奏全音符时，以八分音符来思考。运用这一方法往往可以解决“冲”这一常见问题。
3、将休止符想成“无声的音符”。学生们也应当对休止符的划分有所思考。
4、通过让学生们系纺地演奏节奏来促进节奏的独立性，可遵循以下次序；
a．齐奏
b．分为两组（木管乐为一组，铜管乐与打击乐器为另一组）
c．分为两组（指定不同声音乐器之间相互配合，如长笛与单簧管，萨克斯管与其它低音乐器，小号与圆号，低音铜管乐器与打击乐器）
d．指定各自乐器声部中的乐器相互配合
e．让身边乐器组的人演奏不同的节奏
f．依照相同的方式进行三、四声部的节奏练习
5、许多节奏问题实际上是技术和能力的问题。慢速练习直到学生们掌握正确的节奏型。
6、数节奏不仅十分重要，而且数拍和打拍子更有助于音乐韵律良好地完成和发展。
7、确保“内声部”气韵生动。
8、教授节奏时，要注意将存在的问题识别并抽离出来。
9、让学生们“哼唱”节奏往往十分交效。
D. 技术与能力
1、良好的演奏技术与能力依赖于学生们对自已乐器的掌握程度。完成以下控制练习：
音阶，三度模进，琶音，半音阶，指法练习，嘴唇灵活性练习（铜管乐器），基本乐理（打击乐器），确保让学生们能在排练中识别并区分上述模式。
2、在演奏快速段落时，学生们往往使用较少的气息。提配他们“音符吹奏的越快，气息控制越要稳定。”
3、可以利用“独唱独奏”体系演奏音阶，从而提高学生们的演奏兴趣和责任心。
E. 平衡
1、为了保持良好的平衡，可以依据乐器音域将乐队分为四组：低音声部，次中音声部，中音声部以及高音声部。从低声部开始逐层向上叠奏构建和弦。强调金字塔音响中的低层乐器——相对下层的乐器音响应比上层更强。
2、学生们应当了解自已所处声部与整体的关系。反思自已的部分是处在旋律线上、是和声伴奏的一部分，还是复调旋律等等。学生们应当确定哪些部分应该突出，并以此为据进行演奏。（内声部往往需要被强调）
3、让学生们进行音乐评判。这将有助于提高学生们在演奏自我部分时的责任心。
4、合奏的良好平衡可以通过最低声部旋律乐器美妙的力度变化，在渐强与渐弱中获得。要求学生“用心听”并调整他们的力度，从而使得最低声部旋律乐器能被清晰地听出。这一点同样适用于打击乐声部。
5、通过如“与圆号保持平衡”或“与第三单簧管一致”这类的话语为学生明确平衡与融合的目标。
6、为了制造阴暗或温暖的音色，需指导圆形铜管乐器（圆号、上低音号以及大号）学生们录求“内在的声音”。
7、要求学生们抓住邻座所吹奏的“内在的声音”，这将防止演奏中个人的“失控”。
F. 力度
1、力度没有“绝对”的强弱。在乐曲中所有力度都是依附存在的。
2、学生们需要了解自已乐器的力度倾向。例如，对于初学萨克斯管的乐手来说，在低音区用非常轻柔的音色演奏几科是不可能的。同样，小号在较高音区、长笛在低音区很强的演奏都将十分困难。到那时，就必须通过调整演奏人数来获得相应效果了。
3、用“尽可能地比‘标准音色’轻来演奏‘极弱’，尽可能地比‘标准音色’强来演奏‘极强’”这类话语往往有助于形容极限力度。显然，“标准音色“在此起到关键作用。
4、为了强调力度的变化，需要解释“渐强”是从轻开始逐步变强的过程，而“渐弱”则是从明媚响亮开始逐步变弱的过程。
5、对渐强与渐强进行设计。指导学生们达到你所需求的强度。
6、当乐队柔和地演奏时，成员之间的共鸣往往丢失。建议学生们有效地大声说出“悄悄话”。
7、在练习中让学生们在极限力度下演奏8至16拍,并要求他们以良好音色贯穿整个力度范围演奏。
8、通常情况下，学生们在演奏短促的音符时不注意力度。让他们在所掌握的力度范围中以多种不同音色风格演奏大量四分音符。
G. 木管乐手的发声练习
1、当教导学生吐音时，不要让他们大声地发出“突”这个音，而应该让他们轻轻地发声。这会减少下颚的运动。
2、让学生减少舌头的碰触。
3、许多发声问题实际上是气息速度控制问题。教导学生们应将气流保持在牙齿与舌头后面。
4、为了使发声缓慢得到改善，可让学生在试图发声前先作“哼哼”练习。
5、对于短促的音符，学生应该：
*使用紧致、压缩的气流吹奏而不是强迫空气进入号角中。
*吹奏完音符后，换气速度要快。
6、对于快速的音符，学生应该：
*想一想，“我的舌头要动的多快？”
*保持舌头贴近接触点。
*当快速音符经过时，需更多的声/音响。
H. 乐句处理法
1、告诉学生乐句是一种音乐处理方式。
2、教导学生乐句的长度依赖于呼吸记号、和声韵以及节奏韵律的划分。
3、提示学生们不要在乐句中换气。
4、将乐句的教导与说话联系起来。让学们说“我爱演奏音乐”四遍，每一次都要求学生强调不同的词：
“我爱演奏音乐”
“我爱演奏音乐”
“我爱演奏音乐”
“我爱演奏音乐”
讨论这些句子会有什么变化。在音乐乐句中也有相同的道理。
5、标示出每一乐句中最为重要的音符。一般来说，乐句中音符逐渐渐强表明逐步接近那个重要音符，而渐弱则是逐步远离那一音符。
6、通常情况下，塑造乐句十分有用。
L. 合奏
1、教育学生们在演奏中应有个人责任感。让学生们闭上眼睛演奏一段熟练的乐曲，让他们对自已的听觉与注意力产生重视。
2、确保发声的统一以获得清晰的音乐线条。
3、通过在合奏中“越过一个音”来提高学生们的听力和演奏技巧。在如此操作时，让他们重复先演奏者或小组演奏的音高、音长与情感。许多组员都能同时开始演奏，但是在音符收尾时却会出现问题：学生们必须相互倾听以确保音符松开时的一致。
4、尝试在排练厅中倒换座位，这样可以让每一个听到不同的声部。良好合奏的关键是积极的聆听。
J. 读谱
1、可以让学生们在演奏前进行数拍和打拍子练习，从而提高调性阅读能力。
2、可以让学生在演奏前“唱”出调性模式，从而提高调性阅读能力。学生们往往可以同熟悉基本乐理一样（打击乐）对音阶、三度模进以及琶音模式进行识别从而获得调性识别能力。
3、给学生一张调性和节奏样式的清单。
4、在演奏乐器之前，让学生们利用听觉记忆（听到他们自已的内心）中的调性和节奏声音来提高读谱技巧。
