维也纳爱乐乐团官网公布了“2019美泉宫夏夜音乐会”的曲目单，引起了全球乐迷的广泛关注和热议。它以“蓝色狂想曲”为题，显然这是一场值得期待的“美国之夜”。
明天，音乐之友“”（←点击绿字查看详情）的团友们将齐聚美泉宫花园的草坡上，与来自世界各地的十余万幸运观众一起开怀畅饮，聆赏“美国之夜”的流光溢彩、管乐弦歌。
往期仲夏音乐之旅回顾：
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本场仲夏夜音乐会最大的亮点毫无疑问是指挥家杜达梅尔、钢琴家王羽佳以及维也纳爱乐乐团这样梦幻一样的组合。为了让广大“音乐之友”能够与亲临现场的小伙伴们共享这一高大上的“年度盛会”，小编特约请北大校友王岳龙老师为大家撰写音乐会“曲目解析”，以飨乐友。
PROGRAMM
Leonard Bernstein
Ouvertüre zu ”Candide“
Johann Strauß (Sohn)
Jubilee Waltz, o.op.
George Gershwin
Rhapsody in Blue
[Fassung für Klavier und Orchester 1942]
Orchestrierung: Ferde Grofé
Max Steiner
Casablanca-Suite
John Philipp Sousa
Stars and Stripes Forever
Samuel Barber
Adagio for Strings
Carl Michael Ziehrer
Sternenbanner-Marsch, op. 460
Antonín Dvořák
Symphonie Nr. 9
in e-Moll, op. 95 ‘Aus der Neuen Welt’, 4. Satz, Allegro con fuoco
Leonard Bernstein：Overture to "Candide"
伦纳德·伯恩斯坦：《憨第德》序曲
伦纳德·伯恩斯坦（Leonard Bernstein, 1918-1990）20世纪美国文化的代表之一，毕业于哈佛大学，集指挥家、作曲家、钢琴家、作家和演说家为一身。在指挥艺术上，他是美国本土指挥家的代表，一度与卡拉扬抗衡，形成欧美不同指挥风格的化身。他创作了很多名曲，其中最有名的是音乐剧《西城故事》，被誉为“曼哈顿的罗密欧与朱丽叶”。
▲伦纳德·伯恩斯坦（Leonard Bernstein）
歌剧《憨第德》（Candide）取材于法国文豪伏尔泰的讽刺小说，由伯恩斯坦与当代著名作家赫尔曼（Lilian Hellman）、词作者维尔伯（Richard Wilbur）联手改编成剧本，伯恩斯坦作曲。
歌剧讲述了发生在古巴伐利亚的一个带有哲学意味的故事。学者潘格罗斯博士的年轻学生憨第德即将举行婚礼，而此时国家在战争中遭到毁灭，他的未婚妻被害，自己也险些被处死。失去亲人和老师的憨第德只身去了巴黎，经历了众多的苦难。残酷的现实终于使他无法苟同老师的乐观主义学说。他决心依靠自己的努力改变命运，但最后却被仇恨和贪婪吞噬了生命。
《憨第德》序曲以剧中第一幕歌曲的动机为基础迅速展开，激烈的快板结合美国草根音乐的语汇，充分展现了正值盛年的伯恩斯坦的爆发力，音乐狂飙而至，节奏与节拍的变化之快更是令人应接不暇。全曲在各种音乐画面中来去自如地游走，切换手法老道而不失新颖，在极短的时间内便展现出一个绚丽多彩的缤纷世界。
1957年，伯恩斯坦指挥纽约爱乐乐团将绚烂刺激的《憨第德》序曲首演于著名的卡内基音乐厅。虽然几天之后该剧就在百老汇黯然停演，但这首序曲却成为无数一流乐团的保留曲目，异彩纷呈的演绎为乐曲平添了无穷魅力。
▲卡内基音乐厅外景
乐曲以铜管乐喧闹地开始，展现了憨第德所遵循的乐观主义的精神。第一段旋律的素材来自于歌剧中的一系列欢快的动机，幽默而纯朴的欢乐。接着音乐渐弱，像是憨第德快乐地吹起了口哨。
第二段旋律由圆号吹奏起了温柔而抒情的主题，接着弦乐强化情感，充满了热情。这段音乐来自歌剧中的一首二重唱“哦，快乐的我们”。
音乐又回到第一段喧闹的部分。接着第二段抒情的旋律再现。
接下来伯恩斯坦插入了一个新的主题，轻松而跳动的节奏，渐强，然后接又一个新的主题，再次渐强。最后是第一段的喧闹的主题在这里短暂地闪现，然后突然结束。
Johann Strauss, Jr.：Jubilee Waltz, o.op.
小约翰·施特劳斯：庆典圆舞曲
1872年6月，小约翰·施特劳斯率领他的乐团远渡大西洋来到波士顿，参加由美国作曲家、指挥家吉尔默（Patrick Sarsfield Gilmore，1829 - 1892）组织的国际和平庆典并访问演出。他特意创作了几首作品，其中就包括这首《庆典圆舞曲》。在乐曲的扉页上他写道：“题献给P. S. 吉尔默先生。特别为在波士顿举行的伟大的国际和平周年庆典创作，并在吉尔默组织的慈善音乐会上演奏”。
▲小约翰·施特劳斯（Johann Strauss, Jr.）
在乐曲的结尾处，施特劳斯还特意引用了一段美国国歌的曲调，因此受到波士顿听众的热烈欢迎。当年的《华盛顿邮报》曾在报道中说，这是一部华丽而优美的作品，并预言它将大红大紫。而今天这首作品其实很少演奏，至少在70多年的维也纳新年音乐会上从未出现过。
George Gershwin：Rhapsody in Blue
[Version for piano and orchestra 1942]
Orchestration: Ferde Grofé
乔治·格什温：蓝色狂想曲（1942年钢琴与管弦乐队版）
配器：费尔德·格罗菲
《蓝色狂想曲》是美国作曲家乔治·格什温的代表作，它融合了古典音乐及爵士乐的元素。
▲乔治·格什温（George Gershwin）
此曲的首演是在一个标题为“现代音乐实验”的音乐会上，于1924年2月12日在纽约风神音乐厅（Aeolian Hall），由保罗·怀特曼（Paul Whiteman）指挥他的乐团协奏，格什温演奏钢琴。演出获得巨大成功，格什温从此名噪世界。
▲保罗·怀特曼（Paul Whiteman）
早在格什温创作生涯的初期，他就怀有成为严肃音乐家的雄心壮志。因此，当保罗·怀特曼为组织“现代音乐实验”音乐会而邀请他写一部“爵士协奏曲”时，格什温很感兴趣，他一直向往着创作一部带有爵士乐元素的严肃音乐。不过怀特曼给的期限太紧，而且主办方对外发布了格什温将为这次音乐会作曲、并亲自担任钢琴独奏的消息。
据说格什温是在去波士顿的旅途中创作本曲的，他事后曾这样描述：“那是在火车上，可以听到车轮与铁轨发出的铿锵的节奏和隆隆的撞击声……我经常在噪音深处听见音乐。就在那里，我忽然从头至尾构筑出了《蓝色狂想曲》。”从波士顿返回仅一星期，除了少数钢琴独奏的华彩乐段外，格什温完成了全曲的钢琴谱。至于那几个华彩乐段，他准备留到首演时作即兴创作。
作品的标题直到离初演只有几天时才最后定名。他接受他的弟弟的建议，取名为“蓝色”。因为蓝色（blue）同作品中所采用的起源于美国黑人灵歌的布鲁斯（blues）曲调正好是同一个词，故最终采用了“蓝色狂想曲”（Rhapsody in Blue）之名。
《蓝色狂想曲》听上去类似单乐章的协奏曲，其中主题的即兴式表达同交响性的发展有机地结合在一起。黑人布鲁斯音乐的调式及和声因素、爵士音乐的强烈的切分节奏和滑音效果，都赋予这部构思独特的作品一种与众不同的色彩。格什温在这部作品中对那些情绪全然不同的段落的安排，如抒情性与戏剧性，舞蹈性与歌唱性的对置，也颇具匠心。
乐曲开始非常独特，而且成为经典。它以独奏单簧管低音区里的一个颤音开始，然后突然从低音向高音滑动，上升到最高一个音符。也许格什温想要告诉我们，这就是美国，她突然从梦中醒来，充满了蓬勃向上的朝气。这就是乐曲的主要主题。
圆号和萨克斯管奏起了一个节奏性很强的主题。它和上述的单簧管主题情调十分接近，就像是主要主题的变形或延续，只是较前者更加强劲有力，而且显然带有舞曲风格。加弱音器的小号再次奏出主要主题，并将优美的钢琴引领进来。钢琴在呈示主题后，又加以变奏，并转向一个辉煌的、重述各主题的华彩段独奏。然后，主要主题以果敢有力的音响出现在乐队齐奏的音乐中。
明亮的小号又奏起了一支开阔嘹亮的曲调，这是一个舞蹈般的曲调，活力四射！音乐就此掀起了一个异常活跃的新高潮。
音乐减速，在加弱音器的小号的沙哑音调中，钢琴再一次开始了华彩段的演奏。这一次华彩气氛与第一次形成了鲜明的对比，钢琴更加抒情，似乎在表达着对这个国家与生活的热爱。
钢琴加速，节奏变快，在一阵热情的渲泄后，转入下一段。弦乐器奏出的一段美妙的旋律，这是全曲的中心，也是美国音乐中最著名的段落之一。这段音乐宽广流畅，小提琴的独奏温柔感伤。钢琴接下来对中段旋律进行变奏。
钢琴以一个速度变化带来了乐曲的尾声，接着主要主题开始再现。整个乐队以雷鸣般的气势再现了乐曲的主要主题，最后以一个渐强的和弦辉煌地结束了全曲。
Max Steiner：Casablanca-Suite
马克斯·斯坦纳尔：《卡萨布兰卡》组曲
电影《卡萨布兰卡》是一部经典的奥斯卡获奖影片，1944年在第16届奥斯卡奖评选中一举获得了最佳影片、最佳导演、最佳剧本3项大奖，是世界公认的100部伟大的电影之一。电影情节已广为人知，影片中英格丽·褒曼的美丽让人难以忘怀，还有那首感人的主题曲《As time goes by》。其实很少有人知道，这部电影的音乐出自当时美国最牛的电影音乐大咖马克斯·斯坦纳尔之手。
斯坦纳尔1888年出生在奥地利一个犹太家庭，祖上是一家富商和演艺界的大佬，据说他的爷爷和小约翰·施特劳斯私交甚好，并且曾是维也纳剧院很有影响力的管理者。当然在二战开始前，他逃到美国，并在波士顿定居下来。斯坦纳尔很小的时候就能谱写音乐，他的老师是赫赫有名的古斯塔夫·马勒。
▲马克斯·斯坦纳尔（Max Steiner）
斯坦纳尔赶上了百老汇的繁荣时期，他是百老汇最受欢迎的策划人和指挥家。不久有声电影的黄金时代出现了，斯坦纳尔成了炙手可热的电影音乐作曲家。他一生写了100多部电影配乐，其中有20部获得奥斯卡金项奖提名，并三获金像。他是二十世纪三十年代至六十代期间电影音乐的大神，无人能出其右。著名的作品有《飘》、《金刚》和《卡萨布兰卡》等。
▲马克斯·斯坦纳尔（右）
《卡萨布兰卡组曲》是作曲家从电影音乐中挑选出的一些著名段落重新编排后写成的。其中不仅可以听到《As time goes by》的旋律，还可以多次听到雄壮激昂的《马赛曲》。
John Philipp Sousa：Stars and Stripes Forever
约翰·菲利浦·苏萨：星条旗永远飘扬
《星条旗永远飘扬》或译为《星条旗永不落》、《星条旗进行曲》，是美国作曲家、指挥家约翰·菲利浦·苏萨在1896至1897年间创作的管乐合奏曲，或称军乐曲。苏萨一生创作了100多首进行曲，被尊为“进行曲之王”。
▲约翰·菲利浦·苏萨（John Philipp Sousa）
《星条旗永远飘扬》的创作构思产生于1896年，苏萨结束在欧洲度假的归途中。他曾回忆说：“当我在甲板上来回走动时，脑海中开始体会到军乐队演奏特有的节奏撞击效果。在整个海上旅途中，想像中的乐队总是在不停地奏响同一个主题，非常清晰。旋律在耳畔回荡，再回荡。在船上，我没有把音符立即记在谱子上，但当我一上岸，就马上把脑海中乐队演奏的旋律、节奏等记录下来了。”
简短几声号角之后，便是热烈而激昂的第一主题，强烈的音响，充满自信与自豪感。圆号吹奏出宽广、抒情而流畅的第二主题，这是对祖国的颂扬，表现了作者对祖国的热爱。
插入部分是对比强烈的段落。好像是欢呼雀的人群在庆祝胜利。接着是第二主题的变奏，由圆号演奏更显得深情温婉，同时短笛轻快地歌唱着，装饰着这段乐曲。
然后是插入部分再现。接第二主题的又一次变奏，这次由乐队合奏，宽广的主题更加气势磅礴，最后在一声强烈的和弦中，音乐戛然而止。
这首进行曲充分发挥了铜管乐队的表现力，以磅礴的气势和热烈的情绪歌颂自己的国家和军队，颇有鼓动力。后被美国定为“国家进行曲”。（注意，国家进行曲并不是“美国国歌”。美国国歌是另一首《星条旗》）
Samuel Barber：Adagio for Strings
萨谬尔·巴伯：弦乐柔板
巴伯是美国二十世纪最重要的作曲家之一，因此大多数音乐爱好者并不熟悉他。其实他的作品风格还是比较传统的，非常注重旋律。这首《弦乐柔板》原来是他在1936年创作的一首弦乐四重奏中的慢板乐章，2年后在1938年改编为由管弦乐团中的弦乐器组演奏的《弦乐柔板》，成为可以单独演奏的一首乐曲，逐渐流行起来。可能有两件事情使得这首乐曲备受关注。一是在美国总统罗斯福去世时，美国广播公司在播送讣告时播放了这首乐曲。另一个是美国电影《野战排》在电影中引用了这首乐曲。
▲萨谬尔·巴伯（Samuel Barber）
巴伯是一位同性恋者，他与其在科蒂斯音乐学院的同学、意大利作曲家梅诺蒂（Gian Carlo Menotti，1911 - 2007）结识并公开同居。二人在创作上互相帮助协作，感情和睦。
▲卡洛·梅诺蒂、巴伯，1936，夏
《弦乐柔板》是一首非常深情的乐曲，他的情绪有些悲凉，伤感，有时候感到哭诉甚至哽咽，但是音乐中应该没有绝望，有一种抗争的力量。有人说它是一首安魂曲，但是我觉得它是美国版的《二泉映月》，对悲惨世界的一种发自心底的不屈。
Carl Michael Ziehrer：The Star-Spangled Banner March, op. 460
卡尔·米切尔·齐雷尔：星条旗进行曲，作品460
卡尔·迈克尔·齐雷尔（Carl Michael Ziehrer，1843 - 1922），奥地利作曲家。出生于一个富裕的维也纳家庭，他是一个很有天赋的钢琴家，在一所舞蹈学校举行他的第一次现场演奏。以后，他被说服去尝试指挥生涯。在父亲的资助下，他成立了一个舞蹈乐队。
▲卡尔·迈克尔·齐雷尔（Carl Michael Ziehrer）
27岁时，他被任命为一支奥地利军队的乐队指挥。八年后，他在维也纳成立了一个乐团，从施特劳斯家族乐团中吸收了许多最优秀的音乐家，因此与强大的施特劳斯家族产生了巨大的裂痕，成为那个时代施特劳斯家族最有力的竞争者。
齐雷尔作为乐队指挥，带领他的步兵团乐队名噪一时，并被邀请在芝加哥举行的1893年世界博览会上演奏乐曲。
尽管齐雷尔与他的乐团在当时是唯一能与施特劳斯匹敌的乐团，而且也创作了大量的舞蹈音乐，但是很久的一段时间我们却很少能听到他的作品。值得注意的是，在近年的维也纳新年音乐会中，齐雷尔的名字已经出现了几次，这仿佛在提醒人们应该重新认识这位作曲家的价值。
Antonín Dvořák：Symphony No. 9 in E minor, op. 95 ‘From the New World’, 4th Movement, Allegro con fuoco
安东宁·德沃夏克：E小调第九交响曲，作品95，“自新世界”
第四乐章：热烈的快板
德沃夏克是十九世纪捷克最伟大的作曲家之一，捷克民族乐派的主要代表人物。
▲安东宁·德沃夏克（Antonín Dvořák）
德沃夏克从小跟本村的乐师学习小提琴，16岁时进入布拉格风琴学校学习。1859年毕业后开始在捷克国家剧院里担任中提琴师。在此期间，德沃夏克开始了音乐创作之路。他是一位富有强烈民族感和热爱祖国民族艺术的音乐家，对捷克民族乐派的伟大创始人斯美塔那所倡导和致力发展的民族音乐文化事业由衷地赞赏和拥护。在捷克民族独立运动的影响下，他为发展民族音乐作出了杰出贡献。
德沃夏克一生的作品很多，体裁也很广；他共创作了12部歌剧，11部神剧和清唱剧，9部交响曲，5部交响诗，6部协奏曲，32首室内乐重奏曲，此外还有大量的钢琴曲、小提琴曲、序曲和歌曲等作品。
其中最著名的有：《e小调第九交响曲》(自新世界)
《b小调大提琴协奏曲》
《狂欢节序曲》
《F大调弦乐四重奏》
歌剧《水仙女》等。
1904年5月1日，德沃夏克因中风在布拉格逝世，终年六十三岁。
德沃夏克一生创作的9部交响曲是他最重要的作品，也是十九世纪民族乐派交响曲的代表作，在整个音乐史上也是不容忽视的杰作。
德沃夏克的交响曲深受古典乐派的影响，结构严谨、均衡。他是一位旋律大师，因而他的作品充满了优美旋律的魅力。这也是德沃夏克交响曲的特点之一。德沃夏克的管弦乐法并不追求潮流，虽算不上华丽绚烂，却朴实可爱。
1892年，美国纽约国家音乐学院重金聘请德沃夏克出任该院的院长，德沃夏克应邀赴美。这部《第九交响曲》是德沃夏克在旅居美国的将近3年中，在1893年五月完成的作品，也是作曲家在美国创作的最重要的作品。
《第九交响曲》于1893年12月16日由安东·赛德指挥纽约爱乐乐团在卡耐基音乐厅进行首演，获得了极大成功，好评如潮。观众的热情达到了无以复加的地步。纽约的乐评人也对《e小调第九交响曲》极尽溢美之词，称“没有任何一个作曲家在美国取得过如此成功”。纽约音乐界沉浸在一片兴奋之中，德沃夏克本人也承认，自己受到的赞美“就像马斯卡尼在维也纳一样”。
不过，当时这部交响曲并不是德沃夏克的第九号交响曲，而是第八号。德沃夏克曾亲笔在乐谱封面上用捷克语和英语写着同一个标题“来自新世界”（捷克语：Z nového světa，英语：From The New World），标题之下写着“交响曲第8号，e小调，作品第95号，安东宁·德沃夏克，1893年，纽约”。原因很可能是德沃夏克并没有把自己早年创作的第一部交响曲算进编号，这就是“兹洛尼采的钟声”。德沃夏克从未发表过这部交响曲，并且把原稿销毁了。1936年，这部作品才得以首演。从此，“自新世界”就从第八号交响曲变成了第九号交响曲。
第四乐章：终曲，热烈的快板（Allegro con fuoco），奏鸣曲式。
乐曲有一个简短的引子，音乐从低音区开始，向上跳进，如积压的已久的力量终于喷发出来。
之后是呈示部的第一主题，嘹亮的号角吹响了，这如进行曲一般的旋律，激昂振奋，一扫压抑在心中的阴霾。在弦乐和乐器加入后，这首进行曲已经是波澜壮阔，势不可挡了。
呈示部的第二主题，单簧管吹起了一段深情的旋律，它充满爱意，情意绵绵，这是作者对家乡、对祖国、对亲人的热爱和思念。这段柔情似水的旋律，渐渐地转化成力量，形成了另一次激情澎湃的高潮。呈示部的结尾以一段热烈的舞蹈作为中结。
进入发展部，首先以第一主题的素材为基础，进行了发展和变化。然后我们会听到经过变形的第二乐章“念故乡”的主题，和这个乐章的第一主题融合在了一起，最终展现出了英雄般的气概。
在乐曲的再现部，第一主题和第二主题依次再现。第二主题转由大提琴唱出旋律，使这段音乐更加深情饱满，并发展为田园诗般宁静的气氛。
最后是乐曲的尾声，音乐渐强。然后是一段静谧的木管吹奏，圆号温暖而遥远的声音，似乎又一次唤起了对祖国的思念，乐队全奏，结束了全曲。
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